LEISE TÖTEN DIE SPIONE

Leise töten die Spione
Le spie uccidono in silenzio | Frankreich/Italien/Spanien | 1966
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Mario Caianos Karriere ist so ein wenig die Blaupause des italienischen Genre-Regisseurs: über rund 40 Jahre hinweg hangelte er sich von Sandalenfilmen über Western- und Eurospy-Schinken zum Giallo, der dann dem Poliziesco weichen musste, bevor diverse Wiederbelebungsversuche des Horrorfilms seine Regiekarriere beschlossen. Von der deutschen Wikipedia heute zum „verlässlichen Handwerker“ degradiert, muss tatsächlich konstatiert werden, dass wohl keines der Werke Caianos als herausragend in seinem Genre zu bezeichnen ist. Immerhin sein Poliziesco DIE LETZTE RECHNUNG SCHREIBT DER TOD (1976) bleibt aufgrund der für das Genre ungewöhnlichen Fixierung auf die Gesetzesbrecher noch recht deutlich in Erinnerung. Und irgendwie muss man auch LEISE TÖTEN DIE SPIONE, seinem einzigen Eurospy-Beitrag, eine bestenfalls durchschnittliche Leistung attestieren.

Das liegt zu einem nicht unerheblichen Teil am überaus flapsigen Lang Jeffries (der nur ein Jahr später in PERRY RHODAN – SOS AUS DEM WELTALL (1967) in den Weltenraum düste) in der Rolle des Secret-Service-Agenten Michael Drum. Der pöbelt von Beginn an recht platt umher und verspielt so schon früh jede Chance auf Charme, den seine Genrekollegen trotz Sexismus und Chauvinismus häufig zu erlangen vermögen. Anstatt eine fremde Schönheit zwecks Mitfahrgelegenheit galant zu bezirzen, reißt ihr ein Mr. Drum einfach die Autoschlüssel aus der Hand und erklärt „Ich fahre“. Aha. Folgerichtig ist das Techtelmechtel mit Emma Danieli, die ihren größten Auftritt neben Vincent Price in THE LAST MAN ON EARTH (1964) hatte, dann auch mehr Zufall als Absicht – und folgerichtig bleibt selbiges auch uninspiriert und dient lediglich als Aufhänger fürs Finale.

Auch bezüglich des Antagonisten sieht der Streifen nicht wirklich rosig aus – und das ist wegen der alten Agentenfilmregel, ein Film dieses Genres ist nur so gut wie sein Bösewicht, äußerst schmerzlich. Caiano versucht sich eine Zeitlang daran, die Identität des Schurken geheim zu halten, obgleich er Andrea Bosics Rashid von Beginn an deutlich als wahrscheinlichen Konterpart des Agenten zeichnet. Und der ist es dann – Überraschung! – auch. Rashids Mittel der Wahl zur Erlangung der „absoluten Diktatur“ sind dann sowohl eine willensbrechende Droge als auch ein ebenso wirkender Energiestrahl. Das was, wie und woher spielt dabei keine Rolle, es ist für Rashid und Co. scheinbar keine Schwierigkeit, derlei zu bewerkstelligen (auch der Secret Service entwickelt das Gegengift übrigens innerhalb von fünf Minuten, Hut ab!). Stattdessen dürfen wir dem Agenten Drum ellenlang dabei zusehen, wie er Drogen verabreicht bekommt, Gegengift nimmt, wieder Drogen bekommt und wieder Gegengift erhält. Das Ganze verteilt Caiano dann auch noch auf die Schauplätze Beirut, London und Madrid, wobei er sein gesamtes Personal teils im Minutentakt zwischen diesen Handlungsorten wechseln lässt.

Und trotzdem: auch LEISE TÖTEN DIE SPIONE versprüht in seinen besten Momenten jenes Flair, welches mir das Eurospy-Genre so lieb hat werden lassen. Gleich zu Beginn entführt der Film seine Betrachtenden in ein intaktes, weltoffenes Beirut mit modernen Hotels und Autos, welches ebenjenes mondäne Feeling versprüht, welches Agenten die perfekte Bühne bietet. Und selbst wenn Rashids Plan generisch und inspirationslos ist, so sieht es doch immer super aus, wenn Bösewichte skurrile Laserwaffen in Forschungsräumen tief unter der Erde horten. Namenlose Angestellte, strebenverstärkte Gänge und eiskalte Handlager rund jenes Set ab, zu dem auch Agenten-Gadgets und moderne Fortbewegungsmittel gehören. Es ist schlicht eine Welt, in der das Böse noch abgehoben, exzentrisch und unlogisch sein konnte. Es ist die wundersame Agentenwelt der 60er Jahre. Und LEISE TÖTEN DIE SPIONE gehört – trotz deutlicher Mankos – auch zu dieser Welt.

MOONRAKER – STRENG GEHEIM

Moonraker – Streng geheim
Moonraker | Frankreich/Großbritannien | 1979
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nachdem eines von Sir Hugo Drax (Michael Lonsdale) Raumschiffen entführt wurde, wird James Bond (Roger Moore) damit beauftragt, das technische Wunderwerk wiederzubeschaffen. Konkurrenz und Unterstützung erfährt er dabei durch die CIA-Agentin Dr. Holly Goodhead (Lois Chiles), während sich langsam aber sicher herausstellt, dass Drax selber mit dem Verschwinden des All-Gefährts zu tun hat.

Holly: Ich bitte Sie! Ein 70-Jähriger verträgt 3 G.
James: Tja, das Dumme ist nur, dass ein 70-Jähriger nie zur Hand ist, wenn man ihn braucht.

Zeigte Lewis Gilbert schon mit DER SPION, DER MICH LIEBTE (1977), dass er es versteht, die Stärken der JAMES BOND-Serie zu betonen, so stellt er dieses Vermögen zwei Jahre später bei seinem augenscheinlich durch den Erfolg von KRIEG DER STERNE (1977) und UMHEIMLICHE BEGEGNUNG DER DRITTEN ART (1977) inspirierten Weltraum-Agenten-Wahnwitz erneut unter Beweis. Mehr als je zuvor ist der Film – der sich mit der Erkundung des Weltenraums zugegebenermaßen etwas Zeit lässt – vollgestopft mit beinahe schon am Nonsens kratzenden Auswüchsen hochtechnisierter Geheimagenten-Angelegenheiten. Die Prise Humor und nicht zuletzt das erneute Auftreten und schließliche Verlieben von Kult-Widersacher Beißer mögen dem Film viele Unkenrufe eingebracht haben, letztlich bleibt MOONRAKER aber ein konsequenter und unterhaltsamer Beitrag zur Serie.

MIKE MURPHY 077 GEGEN YPOTRON

Mike Murphy 077 gegen Ypotron
Agente Logan – missione Ypotron | Frankreich/Italien/Spanien | 1966
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Mike Murphy (Luis Dávila), Geheimagent im Auftrag der NASA, soll herausfinden, warum die mysteriöse europäische Raumfahrtorganisation INDRA sich des Wissenschaftlers Professor Morrow (Alfredo Mayo) bemächtigt hat. Dabei hilft ihm Jeanne (Gaia Germani), die findige Tochter desselben. Und das ist auch bitter nötig, denn in Spanien stellt sich schnell heraus, dass das Gemini-Raumfahrtprogramm der USA von den Machenschaften INDRAs in höchstem Maße bedroht wird.

Mike Murphy (Luis Dávila) bei der Arbeit

Jeanne Morrow (Gaia Germani)

1965 startete Giorgio Stegani seine Regiekarriere mit dem Italowestern ADIOS GRINGO, bevor er nach einem kurzen Ausflug in Richtung Agentenfilm per DIE LETZTE RECHNUNG ZAHLST DU SELBST (1967) und SHAMANGO (1967) wieder in den Staub zurückkehren sollte. Der Exkurs wurde ihm von der spanischen Atlántida Films und der italienischen Dorica Film ermöglicht, die zuvor mit dem von Gregg C. Tallas inszenierten AGENT 077 – HEIßES PFLASTER TANGER (1965) ein paar Groschen einheimsen konnten. Der Stimmungslage des Kalten Krieges entsprechend schrieben die Herren Remigio Del Grosso und José Luis Martínez Mollá dann ein Skript, welches sich mit Raketen- und Raumfahrttechnik beschäftigt, den Protagonisten durch ein paar Länder schickt und obendrein heillos sexistisch rumpöbelt und fertig war ein weiteres Filmchen, welches einige Krümel vom großen JAMES BOND-Kuchen würde einsammeln können.

Carol: Wenn Dummheit wehtäte, müsstest du andauernd schreien.

Die Storyline fällt dabei erwartungsgemäß übersichtlich aus. Agent Mike Murphy – im Originalton den noch wohlklingenderen Namen Lemmy Logan tragend – wird mit dem Sammeln von Informationen beauftragt, er trifft hübsche Mädels (derer drei er bereits im Vorspann abknutschen darf) und muss letztlich die Welt vor der Zerstörung retten. Diese droht durch einen verrückten Wissenschaftler herbeigeführt zu werden, der sich einige europäische Raketen unter den Nagel gerissen hat. Stegani trägt diese Geschichte recht routiniert vor, spart sich dabei allerdings auch fast gänzlich Ausreißer nach oben oder unten. Eine atmosphärische Verfolgungsjagd im Schatten einer Stierkampfarena (deren Vorkommen leider auch dafür verantwortlich ist, dass der Rezipient ein paar grauenhafte Aufnahmen der Malträtierung eines Stiers durch einen Idioten überstehen muss) wechselt sich mit ein paar netten Sets und Kulissen ab, welche mal Geheimbasis, mal Altstadt darstellen. Einige nette Gadgets und etwas retrofuturistischer Klimbim verleihen dem Film das nötige Agentenfeeling. Insgesamt hätte man von Produktionsdesigner Arrigo Equini, der immerhin Werke wie Giorgio Ferronis Gothic-Horror DIE MÜHLE DER VERSTEINERTEN FRAUEN (1960) oder Marco Vicarios Heist-Klassiker SIEBEN GOLDENE MÄNNER (1965) in seinem Portfolio führt, aber doch etwas mehr erwarten können.

Spanisches Filmplakat

Dänisches Filmplakat

Dagegen liegt die Leistung des argentinischen Hauptdarstellers Luis Dávila, der kurz darauf auch in PERRY RHODAN – SOS AUS DEM WELTALL (1967) mitmischen sollte, voll im zu erwartenden Bereich. Sein Mike Murphy ist ein sexistischer Protz, der sich mit dummen Sprüchen und allerlei Körperlichkeit durch den Film bewegt. Das bekommt vor allem Gaia Germani zu spüren, die hier als Jeanne Morrow eine ansonsten unterhaltsame Darbietung abliefert. In einer durchaus überraschenden Doppelrolle gibt es dann noch den renommierten spanischen Darsteller Alfredo Mayo zu sehen und auch Janine Reynaud, später noch in Jess Francos Doppelschlag KÜSS MICH, MONSTER (1969) und ROTE LIPPEN, SADISTEROTICA (1969) oder auch Sergio Martinos Knaller-Giallo DER SCHWANZ DES SKORPIONS (1971) zu sehen, bleibt als Carol angenehm lange im Zwielicht. Der ebenfalls aus Argentinien stammende Alberto Dalbés rundet den Cast als schmieriger Revel gelungen ab.

Mike: Du bist die attraktivste Blondie, die ich seit 1928 gesehen habe.
Mädel: Und warum erst seit 1928?
Mike: Weil ich vorher noch nicht geboren war.

All diese Damen- und Herrschaften werden über weite Strecken von äußerst fröhlichen Klängen aus der Feder von Nice Fidenco begleitet, der vor allem durch seine ebenfalls launige Untermalung der BLACK EMANUELLE-Reihe Bekanntheit erlangte. Das steht einer allzu ernsten Atmosphäre zwar einerseits im Wege, verleiht dem Film aber andererseits eine Beschwingtheit, die der reinen Fotografie manchmal abgeht. Dazu gibt es noch ein, zwei komödiantische Momente sowie eine wirklich gelungene Striptease-Szene mit klasse getimtem Ende und so bewegt sich der Streifen ohne große Längen einem Finale entgegen, das den Zuschauern dann noch mal die volle Breitseite an psychedelischem Hippie-Sound um die Ohren haut, während sich eine Rakete im azurblauen Schleier verliert. Alles klar.

Carol (Janine Reynaud)

Die Raketenbasis

Keineswegs herausragende, aber auch keineswegs langweilige Agentennummer, die die üblichen Versatzstücke souverän vorträgt. Fröhliche Musik und interessante Charaktere machen dabei das ein oder andere Logikloch locker wett.

DER SPION, DER MICH LIEBTE

Der Spion, der mich liebte
The Spy Who Loved Me | Großbritannien | 1977
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Sowohl der Sowjetunion als auch Großbritannien kommen Atom-U-Boote abhanden. Unter Verdacht steht der exzentrische Reeder Karl Stromberg (Curd Jürgens), der auf einer futuristischen Forschungsstation im Meer residiert. Während die Briten wie gewohnt Meisteragent James Bond (Roger Moore) entsenden, setzten die Russen die Agentin Anya Amasova (Barbara Bach) auf den Fall an – dumm nur, dass Bond erst kürzlich deren Liebhaber im Zweikampf getötet hat.

Anya Amasova (Barbara Bach) und James Bond (Roger Moore)

Karl Stromberg (Curd Jürgens)

Guy Hamiltons vierte und letzte Regiearbeit für die JAMES BOND-Serie, DER MANN MIT DEM GOLDENEN COLT (1974), stellte sich sowohl in der Zuschauer- sowie Kritikgunst als auch an der Kinokasse als höchst mäßiger Erfolg heraus. Nach dem ordentlichen LEBEN UND STERBEN LASSEN (1973) stand Roger Moores Fähigkeit, den großen Sean Connery zu beerben also nach wie vor auf dem Prüfstand. Und da Moore (zunächst) nur für drei Filme unterschrieben hatte, war das gesamte Team nun in der Pflicht, den Beweis anzutreten, dass seine Verpflichtung richtig war. Neu an der Situation war zudem, dass Produzent Harry Saltzman, Begründer der Filmreihe und der eng mit ihr verbundenen Eon Productions, aus persönlichen und finanziellen Gründen ausschied. Das Franchise stand also am Scheideweg; vielleicht noch mehr als nach dem Abgang Connerys.

Mädel: James, ich brauche dich!
James: England auch.

Und als wären das nicht schon genügend Problemchen, meldete sich auch noch Ian Flemming, Autor der James Bond-Romane, zu Wort und verbat es der Produktion, auf die Handlung von Der Spion, der mich liebte zurückzugreifen, da er selber unzufrieden damit sei. Also musste dieses Mal eine gänzlich einige Geschichte ersonnen werden, was auch sogleich eine wahre Vielzahl an Autoren verschliss. Produzent Broccoli zeigte sich mit den verschiedenen Ideen (unter anderem aus den Federn von Anthony Burgess, John Landis oder Stirling Silliphant) durchweg unzufrieden und selbst als Richard Maibaum, der immerhin an bisher acht Bond-Filmen beteiligt gewesen war, seinen Entwurf vorlegte, schüttelte der Chef nur mit dem Kopf. Letztlich war es Christopher Wood, der für Regisseur Lewis Gilbert das Romantikdrama KÖNIGLICHE HOHEIT IN JAPAN (1976) geschrieben hatte, der eine Geschichte skizzierte, die abgesegnet wurde.

Während der Dreharbeiten

Während der Dreharbeiten

Gilbert hatte zehn Jahre zuvor den äußerst erfolgreichen MAN LEBT NUR ZWEIMAL (1967) inszeniert und so ist es kein Zufall, dass sich die Geschichte von DER SPION, DER MICH LIEBTE diesem stark ähnelt. Aus Raumschiffen werden U-Boote aus Vulkanen werden Supertanker und schon hat man einen neuen Film; und einiges an Sicherheit bezüglich des Funktionierens der Geschichte. Denn tatsächlich erweist sich diese Reduktion auf die Kernelemente der Serie als durchaus geschickt. So kann Lewis die Handlung vor allem in der ersten Hälfte zügig runterkurbeln und dabei einiges an Drive entwickeln. Die Hatz durch Kairo und Umgebung gestaltet sich angenehm flott, alle Beteiligten zeigen ein gutes Gespür für die Mechaniken eines JAMES BOND-Films. Die zweite Hälfte flacht dann leider etwas ab, was vor allem daran liegt, dass es keine inhaltlichen Entwicklungen mehr gibt; nach einer Stunde liegen die Karten auf dem Tisch und man blickt dem Ende entgegen.

Anya: Hör zu: wenn dieses Unternehmen beendet ist, werde ich dich töten!

Ein Grund dafür ist sicherlich auch die Figur Karl Stromberg. Diese wird von Curd Jürgens zwar ordentlich gegeben, manch eine trocken-zynische Mine/Bemerkung möchte einen gar an Gert Fröbes Auric Goldfinger erinnern, bleibt aber in ihrer Zeichnung letztlich zu oberflächlich. Stromberg möchte nichts erschaffen, nichts zerstören, er möchte nur das Unabwendbare beschleunigen; darüber verkommt auch sein feiner Sinn für Kunst, Kultur und Ruhe zu einer Nebensache. Dafür bekommt er aber mit Richard Kiel als Beißer einen der coolsten Handlager der Seriengeschichte an die Seite gestellt, der das Filmende aufgrund seiner Beliebtheit (die sich schon in Testscreenings zeigte) auch überleben darf, um in MOONRAKER – STRENG GEHEIM (1979) zurückzukehren.
Dem gegenüber macht Roger Moore erneut einen soliden Job, es ist langsam zu erkennen, dass er die Rolle als seine eigene akzeptiert und formuliert. Daneben gibt es Barbara Bach als russische Agentin Anya Amasova zu sehen. Bach hatte bereits in italienischen Klassikern wie Aldo Lados MALASTRANA (1971) oder Paolo Cavaras DER SCHWARZE LEIB DER TARANTEL (1971) mitgewirkt und war unlängst in Giuseppe Varis DIE HÖLLENFAHRT (1975) über das Meer geschippert. Hier darf sie Bond eine Zeit lang als Konkurrieren begegnen, bleibt aber ansonsten eher durchschnittlich. Neben den bekannten Gesichtern von Bernard Lee, Lois Maxwell und Desmond Llewelyn gibt es mit der Britin Caroline Munro als des Antagonisten Gehilfin Naomi dann noch eine weitere Ikone des verkannten Kinos zu sehen.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Und wenn man schon MAN LEBT NUR ZWEIMAL als Vorbild erwählt, dann darf man auf eine prunkvolle Ausstattung nicht verzichten. Produktionsdesigner Ken Adam zeigt hier ein weiteres Mal sein Können und versorgt den Streifen mit massig beeindruckenden Sets. Strombergs Hort Atlantis ist (vor allem im Inneren) äußerst stimmig und stylisch ausgefallen und auch die zahlreicheren kleinen Sets wissen zu gefallen. Den Höhepunkt stellt natürlich das Innenleben des Supertankers dar, welches den Vulkan von 1967 zwar nicht in den Schatten stellt, es aber ohne weiteres mit ihm aufnehmen kann. Neben all diesen Schauwerten gibt es mit dem berühmten Fallschirmsprung im Prolog noch einen der gewagtesten und berühmtesten Stunts der Seriengeschichte zu sehen.

James: Vorhin haben Sie mich ja ganz hübsch verladen.
Anya: Die brave Frau denkt an sich selbst zuerst.
James: Naja, schließlich haben Sie mir das Leben gerettet.
Anya: Wir alle machen Fehler, Mr. Bond.

DER SPION, DER MICH LIEBTE spielte (bei gleichgebliebenem Budget) doppelt so viel Geld ein, wie DER MANN MIT DEM GOLDENEN COLT und kam auch bei Besuchern und Kritik deutlich besser weg. Aber nicht nur daran lässt sich ablesen, dass Moores dritter Auftritt zu seinen besten zählt. Der Streifen konzentriert sich spürbar auf die Kernelemente der Serie und verheddert sich nicht in Nebenhandlungen und Neuinterpretationen. Insbesondere in Anbetracht der schwierigen (Vor-)Produktion muss man diesem Film Respekt zollen und ihn als durchaus gelungene Novellierung des Franchise begreifen.

Naomi (Caroline Munro)

Das Innere des Supertankers

Indem er sich spürbar auf die Wurzeln der Reihe konzentriert, gelingt es Lewis Gilbert, den bekannten Geheimagenten wieder in sicheres (und erfolgreiches) Fahrwasser zu führen. So wird der zehnte Auftritt Bonds zwar nicht zum Meilenstein, wohl aber zu einem durchweg gelungenen Agenten-Abenteuer.

AUSTIN POWERS IN GOLDSTÄNDER

Austin Powers in Goldständer
Austin Powers in Goldmember | USA | 2002
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Als Austin Powers (Mike Myers) von seinem Vater Nigel (Michael Caine) bei seiner Ernennung zum Ritter versetzt wird, ist die Enttäuschung Austins fast übermächtig. Doch als der Bösewicht Goldständer (Mike Myers) Nigel 1975 im Auftrag von Dr. Evil (Mike Myers) entführt, naht für Austin die Chance, sich die Anerkennung seines Vaters zu verdienen – und nebenbei erneut die Welt zu retten. Zur Seite steht dem smarten Geheimagenten dabei die Disco-Schönheit Foxxy Cleopatra (Beyoncé Knowles).

Austin Powers (Mike Myers)

Foxxy Cleopatra (Beyoncé Knowles)

Während AUSTIN POWERS – DAS SCHÄRFSTE, WAS IHRE MAJESTÄT ZU BIETEN HAT (1997) vornehmlich auf dem Heimkinomarkt Erfolge verbuchen konnte, schlug der Nachfolger AUSTIN POWERS – SPION IN GEHEIMER MISSIONARSSTELLUNG (1999) auch an den Kinokassen ein. Wenig erstaunlich also, dass New Line Cinema den Schöpfer, Produzent und mehrfachen Hauptdarsteller der Filmserie, Mike Myers, erneut mit der Weiterführung der Abenteuer der Agenten-Parodie beauftragte; und das Budget erneut auf nun 63 Millionen US-Dollar verdoppelte. Erneut holte sich Myers Michael McCullers als zweiten Autoren ins Boot und erneut ließen die beiden die bekannten (und neuen) Figuren in einer anderen Zeit auftreten. Dieses Mal dienen die 70er als Hintergrund für die bekannten Zoten und Albernheiten.

Austin: Du bist vielleicht ein kundiger Linguist, dafür bin ich ein scharfer Züngler.

Eine zentrale Rolle nimmt dabei Beyoncé Knowles als Foxxy Cleopatra ein, deren Namensgebung bereits auf die Klassiker des mit weiblichen Hauptrollen ausgestatteten Blaxploitationkinos, FOXY BROWN (1974) und EIN FALL FÜR CLEOPATRA JONES (1973) verweist. Drumherum gibt es eine schmissige 70ies-Disco-Atmosphäre zu sehen, die einen angenehmen Kontrast zu den bereits zweimal durchexerzierten Jahrzehnten 60 und 90 bietet. Foxxy beerbt dabei Elizabeths Hurleys Vanessa aus dem ersten Film, da sie erneut eine starke weibliche Figur abgibt, während Heather Grahams Felicity als dem zweiten Teil ein eher blasse Love-Interest gab. Neben dieser Disco-/Blaxploitation-Konzeption wird das Potenzial der 70er leider nur in Ansätzen genutzt, hier wäre stellenweise deutlich mehr möglich gewesen.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Dafür erfährt Hauptfigur Austin durch das Auftreten seines Vaters Nigel einiges an weiterer Ausformulierung. Michael Caines Interpretation der Vaterfigur dient allerdings vor allem dazu, Austins Sexismus und seine sonstigen Charakterzüge in der Familie zu verorten. Ansonsten wirkt die teils etwas rührselig vorgetragene Familiengeschichte doch etwas deplatziert. Vor allem, wenn am Ende auch Antagonist Dr. Evil miteinbezogen wird, entsteht der Eindruck, dass dem Franchise die Ideen ausgehen. Myers nun vierte Figur (der fiese Fettsack darf natürlich auch wieder mit diversen Ekeleien auffallen), der Niederländer Goldständer, bleibt folglich auch eher blass, hat er doch außer einem übertriebenen Akzent und einigen Genitalwitzen kaum etwas zu bieten. Verne Troyers Mini-Me darf als seitenwechselnder Opportunist eine neue Facette zeigen, der übrige Cast bietet die bekannten Qualitäten erneut auf.

Austin: Wenn diese Lippen sprechen könnten …

Und während es in Sachen Humor und Handlung ebenfalls bei der mittlerweile etablierten Mixtur aus pubertären Späßen, sexistischem Getue und teilweise wiederum gelungenen Pointen bleibt, weben Myers und McCullers eine Metaebene in ihr Drehbuch ein, die die Entwicklung der Filmreihe recht trefflich beschreibt. Sowohl in der Eröffnung als auch im Finale gibt es eine Film-im-Film-Sequenz zu sehen, die – neben der erneut exorbitanten Zahl an Gastauftritt – die Mechanismen der Reihe gekonnt auf die Schüppe nimmt. Dabei wird nicht nur endlich die Konkurrenz zu der das Genre zeitgleich modernisierenden MISSION: IMPOSSIBLE-Reihe persifliert, sondern auch die mittlerweile erfolgte Etablierung der AUSTIN POWERS-Filme belegt.
So ist es dann auch nicht verwunderlich, dass der Film mit der Verbrüderung der einstigen Widersacher endet und die Filmreihe – trotz eines Cliffhangers, der eine Anschlussmöglichkeit böte – so quasi geschlossen wird. Die bekannten Mechanismen wurden nun zu Genüge durchexerziert, Myers hat seiner Schöpfung nichts mehr hinzuzufügen. Die Geschichten der Figuren sind erzählt, alles Weitere bliebe bloße Dreingabe. Die Kinokassen vermeldeten erneut knappe 300 Millionen an Einspielergebnis und so konnten alle Beteiligten einen zufriedenen Schlussstrich unter die AUSTIN POWERS-Filme ziehen. Gerüchte um eine Fortsetzung blieben zwar lange bestehen, scheinen jedoch aufgrund der inhaltlichen Erschöpfung der Reihe nicht unbedingt sinnvoll.

Dr. Evil (Mike Myers) und Nigel Powers (Michael Caine)

Goldständer (Mike Myers)

Obwohl der Abschluss der Reihe das Potenzial der 70er Jahre kaum ausschöpft, gelingt es ihm doch auch im dritten Anlauf, für solide, wenn auch erneut recht flache Unterhaltung zu sorgen. Der Film erzählt die Geschichten der Hauptfiguren zu Ende, nimmt sich selbstreflexiv auf die Schüppe und stellt somit einen befriedigenden Schlussstrich dar.

AUSTIN POWERS – SPION IN GEHEIMER MISSIONARSSTELLUNG

Austin Powers – Spion in geheimer Missionarsstellung
Austin Powers: The Spy Who Shagged Me | USA | 1999
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nachdem Austin Powers (Mike Myers) die Welt gerettet hat, muss er feststellen, dass seine Angetraute ein Fembot ist, der ihn zu töten versucht. Urheber dieser Frechheit ist natürlich Dr. Evil (Mike Myers), der unterdessen den Schotten Fieser Fettsack (Mike Myers) damit beauftragt hat, Austins Mojo, die Grundlage seiner Potenz und – somit natürlich – seiner Selbstsicherheit, zu stehlen. Also muss Austin wieder in die 60er Jahre zurückkehren, sich dort mit seinem Fangirl Felicity Schickfick (Heather Graham) zusammentun und Dr. Evil ein weiteres Mal bekämpfen.

Austin Powers (Mike Myers)

Felicity Schickfick (Heather Graham)

Nachdem sich AUSTION POWERS – DAS SCHÄRFSTE, WAS IHRE MAJESTÄT ZU BIETEN HAT (1997) auf dem Heimkinomarkt zu einem echten Erfolg entwickelt hatte, stellte New Line Cinema Mike Myers ein verdoppeltes Budget, nun runde 33 Millionen US-Dollar, zur Verfügung, um nun auch die Kinokassen klingeln zu lassen. Myers holte sich dann in Sachen Drehbucharbeit Unterstützung von Michael McCullers, den er schon von seiner Zeit bei SATURDAY NIGHT LIFE kannte, und ersann eine deutlich komplexere Geschichte als noch zwei Jahre zuvor, die deren Konzeption, die Hauptfigur aus den 60ern in die 90er zu versetzen, umkehrt und die bekannten Figuren stattdessen in die freiliebenden 60er Jahre verschlägt.

Austin: Aber solange die Menschen noch freien Geschlechtsverkehr ohne alles haben und dabei die anonymen Partner wechseln, während sie gleichzeitig mit bewusstseinserweiternden Drogen experimentieren, was von allen toleriert wird, ohne Folgen, bin ich voll mit dabei!

Dabei wird die Grundkonstellation des Vorgängers, der Kampf zwischen den von Myers selbst verkörperten Charakteren Austin und Dr. Evil (nun ergänzt durch den fiesen Fettsack), natürlich beibehalten. Doch während der Vorgänger den Geheimagenten Austin vor allem mittels der toughen Rolle von Elizabeth Hurley ausdefinierte, fehlt dieses Mal eine starke weibliche Rolle. Heather Grahams Felicity Schickfick bleibt als bloßes Love-Interest ohne eigene Charakterzüge zu blass, um Austins erneuten Sexismus-Attacken zu widerstehen. Dafür erhält Dr. Evil mit Verne Troyer als Mini-Me eine tolle Ergänzung, die dafür sorgt, dass der Bösewicht nun die deutlich agilere Figur ist. Der übrige Cast, Mindy Sterling als Frau Farbissina, Robert Wagner als Nummer Zwei oder Seth Green als Scott Evil, bleibt bestehen und verrichtete seine Arbeit gewohnt solide. Myers dritte Figur Fieser Fettsack wirkt daneben wie eine Manifestation des omnipräsenten Fäkalhumors und verdient sich als solche kaum große Sympathien.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Der Humor bewegt sich also auf dem gleichen Level wie zwei Jahre zuvor: Zote jagt Zote, Flachwitz folgt Flachwitz. Immer wieder bleibt einem das Lachen ob der augenscheinlichen Naivität des Gebotenen im Halse stecken, aber immer wieder sorgen unerwartete Spitzen auch für echte Lacher. Der Film verwendet dabei die besten Ideen des Vorgängers erneut und befriedigt so vor allem die Erwartungshaltung der Fans. Bezüglich der Handlung versuchen Myers und McCullers zwar, etwas mehr Komplexität und Stringenz zu bieten, aber letztlich bleibt es erneut dabei, dass der Film seine Gags erneut klar über den Inhalt stellt. Die erhöhte Zahl an Handlungsfäden sorgt so eher für Verwirrung als für Vertiefung.

Anette: Wissen Sie, wie wir warm machen in Russland?
Austin: Ich ahne es …
Anette: Wir spielen Schach.
Austin: Tja, knapp daneben.

Neben der immens erhöhten Zahl an Gastauftritten gibt es erneut viele gelungene Anspielungen auf das Zeitkolorit der 60er Jahre und auch die diversen misslungenen Benennungen von Dr. Evil für seine Vorhaben können für Lacher sorgen. Die ohnehin überpräsente sexistische Konnotation wird durch die erwähnt schwache Zeichnung von Felicity leider bestärkt und die unverhohlene Verbindung von männlicher Potenz und geistiger Stärke hat ebenfalls einen faden Beigeschmack.
Aber letztlich ermöglichen es einem die grundsätzlich erneut vorhandenen komischen Kompetenzen des Films, über die diversen Schwächen hinwegzusehen und den Klamauk unbedarft zu genießen. So spielte der Streifen dann auch über 300 Millionen US-Dollar ein und bestätigte so den soliden Erfolg seines Vorgängers. Mit AUSTIN POWERS IN GOLDSTÄNDER (2002) sollte die nächste Fortsetzung also nicht lange auf sich warten lassen.

Mini-Me (Verne Troyer) und Dr. Evil (Mike Myers)

Dr. Evils Geheimbasis

Kaum Neues, dafür mehr vom Bekannten. Und obwohl die kleinen Änderungen dem Film nicht unbedingt zuträglich sind, funktioniert er doch im Kern ähnlich gut wie der Vorgänger. Wer den mochte, der wird hier also wieder seinen Spaß haben.

AUSTIN POWERS – DAS SCHÄRFSTE, WAS IHRE MAJESTÄT ZU BIETEN HAT

Austin Powers – Das Schärfste, was ihre Majestät zu bieten hat
Austin Powers: International Man of Mystery | USA | 1997
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Als sich der Superbösewicht Dr. Evil (Mike Myers) Ende der 60er Jahre einfrieren lässt, um Jahrzehnte später erneut seinen niederträchtigen Plänen nachgehen zu können, folgt Geheimagent Austin Powers (Mike Myers) diesem Beispiel. In den 90er Jahren kommt es zur Reaktivierung der beiden Gegenspieler, doch die Welt hat sich verändert und beide müssen sich neue Gepflogenheiten angewöhnen. Während Dr. Evil vor allem mit der veränderten Struktur seiner Geheimorganisation zu kämpfen hat, muss sich der bekennende Swinger Austin mit der emanzipierten Agentenkollegin Vanessa Kensington (Elizabeth Hurley) auseinandersetzen.

Austin Powers (Mike Myers)

Vanessa Kensington (Elizabeth Hurley) und Basil Exposition (Michael York)

Nach den beiden unumwundenen Klassikern WAYNE’S WORLD (1992) und WAYNE’S WORLD 2 (1993) hatte der Kanadier Mike Myers das TV-Business, er war zuvor erfolgreich als Autor für die Sendung SATURDAY NIGHT LIFE tätig, hinter sich gelassen und sich als Spielfilmdarsteller und -drehbuchautor etabliert. In LIEBLING, HÄLTST DU MAL DIE AXT? (1993) versuchte sich Myers dann zum ersten Mal an einer Doppelrolle, bevor es ein paar Jahre lang ruhig um die Komödianten werden sollte. Doch das nächste Projekt war bereits in Planung, denn auf einer einsamen Autofahrt hatte Myers den Song The Look of Love von Burt Bacharach gehört, der 1967 für die JAMES-BOND-Parodie CASINO ROYALE (1967) geschrieben wurde. Derart an die diversen Agenten-Streifen der 60er Jahre erinnert, beschloss Myers, selbst einen solchen Film zu erschaffen. Und wenn man schon eine gute Filmidee hat, so schreib man das Drehbuch am besten auch gleich selbst.

Alotta: Wie können Sie nur vor mir einen Pups lassen?
Austin: Sorry Baby, ich wusste nicht, dass du an der Reihe warst.

Selbiges stellt sich dann vor allem als eine Hommage an die JAMES BOND-Filme der 60er Jahre heraus. Nahezu sämtliche Filme der Connery-Ära (aber auch spätere Vertreter) werden parodiert oder dienen als Inspiration. Dr. Evil ist eine Verquickung aus dem Agieren von Blofeld und dem Look von Dr. No, Austin selbst ist gewandet wie George Lazenby in IM GEHEIMDIENST IHRER MAJESTÄT (1969) und auch die zahlreichen Nebenrollen entsprechen in der Regel den diversen Figuren aus Ian Flemmings bekanntem Universum. Darüber hinaus nutzt Myers‘ Skript die Verortung der Agentenfilme in den 60er Jahren als Kontrast zur Moderne der 90er. So wie er das Konzept vom charme-triefenden Geheimdienstler 30 Jahre später wiederholt – und das, obwohl Brian De Palme im Jahr zuvor mit MISSION: IMPOSSIBLE (1996) die Novellierung des Genre vorgelegt hatte – so verschlägt es auch die Hauptfigur in eine Zeit, in der sie wie ein quitschbunter Fremdkörper wirkt. Aus dieser Disposition, die sich vor allem in der Spannung zwischen Austin und Vanessa manifestiert, zieht der Film seine meisten Gags. Freie Liebe gegen Prüderie, Tanzen gegen Schreibtischarbeit, ungepflegte Zähne gegen adretten Hosenanzug.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Letzteres Beispiel lässt dabei allerdings schon erahnen, in welche Richtung sich der Humor bei diesem Werk bewegt. Nicht nur, dass das Skript seinen Gags zu jedem Zeitpunkt den Vorzug gibt (und ein Spannungsbogen so nur recht schwerlich auszumachen ist), die Späße bewegen sich auch überwiegend im Bereich Fäkalhumor und prätentiöse Albereinen. Sie wirken so häufig vorhersehbar und platt, lediglich einzelne Pointen kommen wirklich überraschend; und funktionieren dann umso besser. Der Film ist so letztlich mitnichten langweilig, aber seine Art des Humors steckt eben doch sehr tief in den 90er Jahren fest.

Dr. Evil: Das hier ist meine Nummer Eins. Sein Name: Nummer Zwei.

Dafür ist es eine Freude zu sehen, wie engagiert Myers seine Figuren umsetzt. Austin Powers ist tatsächlich eine gelungene Hommage an die Agenten der alten Schule. Grell und direkt, um keinen noch so sexistischen Kommentar verlegen, greift er den Stereotypen jene Genres geschickt auf. Und auch die Figur Dr. Evil funktioniert als heillose Überspitzung des klassischen, in seiner Geheimbasis hockenden Antagonisten prächtig. Mindy Sterling als Frau Farbissina und Robert Wagner als Nummer Zwei erweitern den inneren Zirkel des Bösen gekonnt, während Seth Green diesen als enttäuschter Sohnemann Scott Evil gleich wieder konterkariert. Elizabeth Hurley gibt als Vanessa den starken Kontrast zur Hauptrolle und mildert so gleichzeitig die ansonsten omnipräsente Reduktion weiblicher Figuren auf ihr Äußerliches.
Auf dem Regiestuhl durfte Neuling Jay Roach Platz nehmen, jedoch ist seine Tätigkeit in diesem Falle fast zu vernachlässigen. Seine Inszenierung bleibt blass, auch weil Myers Skript ohnehin sämtliche Formalia vorwegnimmt. Gimmicks wie kurze Einspieler mit Tanzszenen, willkürlich Zeit- und Ortsprünge und diverse Musiksequenzen lassen Roach kaum Möglichkeit, eine eigene Handschrift zu zeigen. Neben Myers Band Ming Tea (im Abspann zu sehen) fährt der Filme eine große Menge zeitgenössischer Hits auf, die die lockere Atmosphäre zusätzlich stärken.
Obwohl mit recht positiven Kritiken bedacht, spielte der Film weltweit lediglich rund 67 Millionen US-Dollar ein; bei einem Budget von 17 Millionen zwar kein Reinfall, aber auch kein übermäßiger Erfolg. Auf dem Heimkinomarkt entwickelte sich der Streifen aber prächtig und ebnete so den Weg für den Nachfolger AUSTIN POWERS – SPION IN GEHEIMER MISSIONARSSTELLUNG (1999), der dann deutlich erfolgreicher werden und so AUSTIN POWERS IN GOLDSTÄNDER (2002) nach sich ziehen sollte.

Dr. Evil (Mike Myers)

Der Electric Psychedelic Pussycat Swingers Club

Schmissige Agenten-Parodie, deren Gags aber leider häufig auf einem äußerst flachen Niveau daherkommen. Myers‘ engagiertes Spiel und die zahllosen Anspielungen vermögen das aber auszugleichen und sorgen für unbekümmerte Unterhaltung.

GEHEIMAUFTRAG CIA – ISTANBUL 777

Geheimauftrag CIA – Istanbul 777
Coplan FX 18 casse tout | Frankreich/Italien | 1965
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Der CIA-Agent Jeff Collins (Richard Wyler) wird von seinem Geheimdienst damit beauftragt, die entführten deutschen Wissenschaftler Bolz und Schwartz wiederzufinden. Als sich aber nach kurzer Zeit herausstellt, dass der wahnsinnige Hartung (Robert Manuel) den Ägyptern mit Hilfe dieser Wissenschaftler Atombomben zur Verfügung stellen möchte, klinkt sich auch der israelische Agent Shaimoun (Gil Delamare) in den Fall ein. Zusammen versuchen die beiden Geheimdienstler im anatolischen Hinterland nun, den Start einer Atomrakete zu verhindern.

Manchmal ist die Filmwelt eine äußerst gradlinige und in einer solchen ist es auch nur folgerichtig, dass äußerst verworrene Hintergründe auch zu äußerst verworrenen Filmproduktionen führen. Davon war den beiden Belgiern Gaston van den Panhuyse und Jean Libert freilich nichts bekannt, als die beiden unter dem Pseudonym Paul Kenny im Jahr 1953 erste Romanhefte rund um den natürlich an den einer Jahr zuvor auf Papier veröffentlichten JAMES BOND angelehnten Geheimagenten Francis Coplan erschufen. Vier Jahre später folgte das schlicht SPIONE (1957) betitelte Leinwanddebut des französischen Regisseurs Maurice Labro, bevor es dann – von konstanten Romanveröffentlichungen abgesehen – erst einmal wieder ruhiger um den CIA-Menschen Coplan werden sollte.
Erst nachdem der bekannte britische Agent aus dem Hause Eon Productions erneut dafür sorgte, dass dieses Filmgenre einen ungeahnten Ausschwung erfuhr, keimte auch wieder Interesse an derlei Krimigeschichten auf. Maurice Labro mit FBI-AGENT COOPER – DER FALL TEX (1963) und Maurice Cloche mit JACK CLIFTON JAGT WOSTOW 3 (1964) sorgten für weitere Leinwandumsetzungen, die nun allerdings schon eines der zentralen Probleme dieses Agenten erahnen lassen sollten: die deutschen Verleiher zeigten – wohl auch aufgrund der ständig wechselnden Produzenten und Studios – kein Interesse daran, die Reihe hierzulande als solche zu vermarkten. Folglich erhielt Herr Coplan andauernd neue Namen und Titel und konnte sich so nie als Marke etablieren. In Anbetracht der Tatsache, dass er während seiner sechs Leinwandauftritte zwischen 1957 und 1968 (eine gen Ende der 80er Jahre folgende Reihe von TV-Produktionen sei an dieser Stelle geflissentlich ignoriert) nie zweimal vom gleichen Schauspieler gegeben wurde, lässt die Entscheidung der hiesigen Verleiher allerdings schon wieder durchaus nachvollziehbarer erscheinen.

Collins: Ich würde ihn gern nochmal besuchen, aber dann müsste er sich seine Knochen vorher nummerieren lassen.

1965 sollte es dann der Italiener Riccardo Freda sein, der sich des vierten Spielfilms annahm. Freda hatte nach diversen eher phantastischen Stoffen 1957 mit DER VAMPIR VON NOTRE DAME, bei dem bekanntlich ein gewisser Mario Bava nicht unwesentlich beteiligt gewesen ist, für Aufsehen gesorgt und des Weiteren hatte er 1961 mit AGENT 0-1-7 AUF HEIßER SPUR bereits frühe Genre-Erfahrung gesammelt. In den folgenden Jahren tat sich Freda mit den neuen Konzepten des populären Kinos, allen voran dem Italowestern und dem Agentenfilm, allerdings schwer, was dann zu einigen unumwunden rumpligen Produktionen führen sollte. Eine davon ist GEHEIMAUFTRAG CIA – ISTANBUL 777.

Auf Grundlage eines Drehbuchs von Claude-Marcel Richard schusterte Freda nämlich etwas zurecht, was sich eher wie eine gewalttätige Auseinandersetzung denn wie eine eingehende Beschäftigung mit dem Stoff anfühlt. Der ganze Film ist ein Stakkato aus bekannten Genreversatzstücken, die jedoch derart lieb- und funktionslos aneinandergereiht werden, dass es auf ewig ein Rätsel bleibt, was sich Freda und der für den Schnitt verantwortliche Renée Lichtig wohl dabei gedacht haben. Teils folgen vermeintlich wichtige Szenen im Sekundentakt aufeinander, Schnitte zerreißen ganze Zusammenhänge und actionreichere Sequenzen brechen inmitten der Geschehnisse ab. So benötigt auch der Eurospy-vertraute Zuschauer sicherlich einige Minuten, bis er sich an die ruppige Gangart des Films gewöhnt hat. Bis dahin sind ihm allerdings schon so einige Fetzen der ohnehin überaus undurchsichtigen Geschichte um Atombomben, Kloppereien und Nahostkonflikt entgangen, sodass das Ausmachen des Spannungsbogens zu einer noch größeren Aufgabe als ohnehin schon wird.
Also ignoriert man diesen schlicht (Raketen und schöne Aufnahmen der anatolischen Pampa bekommt man am Ende trotzdem zu sehen) und widmet sich stattdessen einfach jenen Aspekten, die jedem Agententhriller eine Grundmenge an Charme verleihen: nette – teils durchaus exotisch anmutende – Aufnahmen Istanbuls, hübsche Frauen, böse Antagonisten und gen Finale wie erwähnte auch Raketen und Männer in Kostümen. Dazu verpasst Michel Magnes, der neben der ebenfalls aus Frankreich stammenden Konkurrenz OSS 117 auch die FANTOMAS-Filme der 60er Jahre vertone, dem Streifen einen unfassbar offensiven Soundtrack, der das übliche swingende Geklimper dem Rezipienten geradezu in die Ohren hineinhämmert. Das passt freilich ganz wunderbar zu Fredas Inszenierung, sodass manche Sequenzen von gerade hypnotisch durchdringender Wirkung sind.

Collins: Das sind aber wirklich seltsame Archäologen!

Der Brite Richard Wyler kann gegen dieses Konzept nicht anspielen und verkommt so schließlich zum unbedeutenden Transportvehikel für die Darbietungen Fredas; und des Weiteren zu einem derjenigen Agententypen, die es zu keiner Sekunde schaffen, ihre unnötigen und überbordenden Gewalttätigkeiten hinter einer Maske aus Charme und Gewitztheit zu verstecken. Auf Gil Delamare, der nur ein Jahr später vorzeitig zu Tode kam, als Shaimoun trifft diese Beurteilung ebenso zu. Der Franzose Robert Manuel, bekannt aus Jules Dassins Heist-Klassiker RIFIFI (1955), hingegen weiß als überdrehter Antagonist Hartung zu unterhalten und die Damenwelt in Person von Jany Clair, Valeria Ciangottini oder Maria-Rosa Rodriguez wird natürlich mal wieder auf die billigen Plätze verbannt.
Es bleibt letztlich also weitgehend offen, wer an diesem Film seine Freude haben könnte: vornehmlich dürften es Freunde des europäischen Agentenkinos sein, die dieses Werk als erfrischende Abwechslung begreifen dürfen. Keineswegs gut, aber durchweg verschroben und ungewöhnlich, kredenzt der Film zwar quasi ausschließlich bekannte Elemente, bettet diese allerdings in derart unwirsche Strukturen, dass er eine ganze eigene Faszination erzeugt. Absicht und Unfähigkeit liegen hier so nahe beieinander wie selten sonst und machen diesen Teil des COPLAN-Universums tatsächlich zu einem leuchtenden Beispiel für signifikante Korrelationen zwischen verworrenen Hintergründen und verworrenen Filmproduktionen.

Erfahrene Eurospy-Freunde dürften mit diesem Werk wohl am ehesten ihre Freude haben, denn sie können die unfassbar unstrukturierte Inszenierung Fredas wohl am ehesten entschlüsseln. Aber selbst wenn das gelingt, so bleibt der vierte Spielfilmauftritt des französischen Agenten Coplan doch ein äußerst verschrobenes und wenig durchdachtes Stück Agentenfilmgeschichte. Puh!

LEBEN UND STERBEN LASSEN

Leben und sterben lassen
Live and Let Die | Großbritannien | 1973
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nachdem diverse britische Agenten in New Orleans, New York und auf der Karibikinsel San Monique getötet wurden, wird James Bond (Roger Moore) mit der Lösung des Falls beauftragt. Schon bald kommt er dabei dem Fiesling Kananga (Yaphet Kotto) auf die Schliche, der mit einer geheimen Mohnplantage Massen an Heroin für den amerikanischen Markt herzustellen gedenkt. Hilfe erhält er dabei von seiner Wahrsagerin Solitaire (Jane Seymour), die Bond jedoch schon bald auf seine Seite holt …

James (Roger Moore) und Rosie (Gloria Hendry)

Solitaire (Jane Seymour)

Alles Bitten und Betteln sollte nichts helfen: nach seiner Rückkehr in DIAMANTENFIEBER (1971) sagte Sean Connery der JAMES BOND-Reihe für immer auf Wiedersehen. Da der Streifen jedoch trotz seiner deutlich alberneren Note ein großer Erfolg gewesen ist, stand es für Harry Saltzman (der den Bärenanteil des Produzentenjobs bei diesem Werk übernehmen sollte) und Albert R. Broccoli allerdings außer Frage, dass die Serie fortgesetzt werden müsse. Ihre Eon Productions machte sich in Zusammenarbeit mit dem langjährigen Vertrieb der Reihe, United Artists, also auf die lange aufreibende Suche nach einem Connery-Nachfolger. Während UA US-Amerikaner wie Burt Reynolds, Robert Redford oder Paul Newman präferierte, wollte Eon die britische Herkunft des Hauptdarstellers beibehalten. Und tatsächlich sollte mit Roger Moore, der bereits bei der Vorproduktion zu JAMES BOND 007 JAGT DR. NO (1962) in der engeren Auswahl war, ein geborener Londoner die Nachfolge des Schotten Sean Connery (und des Australiers George Lazenby) antreten.
Und somit stand der Autor Tom Mankiewicz, der bereits bei der Überarbeitung des Skripts zu DIAMANTENFIEBER erste Franchise-Erfahrungen sammeln konnte, vor der nicht ganz einfachen Aufgabe, den neuen Darsteller elegant in die seit sieben Film konstituierte Welt einzuführen. Und da sich alle Beteiligten einig darin waren, dass ein bloßer Abklatsch wenig Erfolg verspräche, ersann man für Roger Moore eine neue Ausrichtung des berühmten Geheimagenten; und damit zwangsläufig auch der gesamten Filmreihe. Denn während sich selbige während der 60er Jahre zu einer Institution entwickelte, sorgten unzählige Epigonen und Nachahmer aus Europa dafür, dass es an Parodien und Dekonstruktionen des Genre nicht mangelte. Da wirkt die Bemerkung von M, die Italiener wären von Bonds Arbeit in Rom sehr beeindruckt gewesen, schon fast wie ein Augenzwinkern auf der Metaebene.

Mr. Big: Namen sind was für Grabsteine, Baby.

Und tatsächlich scheinen sich Mankiewicz und Regisseur Guy Hamilton, der nach GOLDFINGER (1964) und DIAMANTENFIEBER (1971) hier seine dritte Arbeit abliefert, dafür entschieden zu haben, den Neustart der Reihe sehr viel augenzwinkernder und humorvoller zu gestalten, als das noch ein paar Jahre zuvor der Fall war. Moores Bond steht den Geschehnissen gerade übermächtig gegenüber und kommentiert die Ereignisse noch deutlich distanzierter als seiner Zeit Connery. Nichts kann ihm etwas anhaben und selbst in der wildesten Explosion zündet er sich seelenruhig eine Zigarre an. Dazu kommt, neben der Distanzierung von altbekannten Trinkgewohnheiten, noch eine deutlich Häufung an Gags und Albernheiten, was die Entwicklung des Jahren 1971 konsequent fortzuführen scheint.

Während der Dreharbeiten

Während der Dreharbeiten

Mit dieser Neuausrichtung geht allerdings auch der Verlust einer stringenten Handlung einher. Wirkt die Story um einen Drogenhändler, der zwei Tonnen Heroin zu verschenken gedenkt, im Vergleich zu den weltbedrohenden Antagonisten der vorherigen Teile ohnehin schon sehr bodenständig, wird sie zusätzlich durch einen kaum vorhandenen Spannungsbogen gehemmt. Bond jagt Kananga aus weitgehend unbekannten Ursachen und auch wenn dann – sehr spät – das Motiv des Drogenschmuggels enthüllt wird, bleibt es doch eine völlige Randnotiz. Kananga wird gejagt, weil James halt jemanden jagen muss, und nicht, weil er tatsächlich etwas übermäßig Bedrohliches tut.

Rosie: Es ist da unten.
James: Aber hast du nicht gesagt, dass sie Banes dort oben auf den Hügeln ermordet haben?
Rosie: Oben auf den Hügeln da unten

Während diese inhaltliche Armut dem Film vor allem in der zweiten Hälfte einige Längen beibringt, reißt das grandiose Setting dafür vieles wieder raus. Deutlich von der durch SHAFT (1971) und SWEET SWEETBACKS LIED (1971) losgetretenen Blaxploitation-Welle beeinflusst, präsentiert der Streifen New Orleans plus Umgebung, das Harlem der 70er und sogar einige Voodoo-Elemente. Das sorgt für Afrofrisuren an allen Ecken, schmissige Musik, coole Nachclubs und obercoole Gangster-Antagonisten. Im Vergleich zum britischen Gentleman-Charme Bonds entsteht so ein toller Kontrast, der die Neuausrichtung ebenfalls trefflich wiederspiegelt. Dass dann noch Beatles-Manager George Martin (der etatmäßige Komponist John Barry war gerade nicht abkömmlich) einen Soundtrack schrieb, der von Paul und Linda McCartney legendär interpretiert wurde, rundet den tollen Stil des Films perfekt ab.
Dazu gibt es dann noch eine Reihe netter Effekte und Gadgets. Obwohl Desmond Llewelyn den Job des Q dieses Mal nicht übernehmen konnte, darf Bond doch ein paar nette Gimmicks, allen voran die magnetische Uhr, ins Feld führen. Ansonsten gibt es einen Gleitflieger und diverse andere Vehikel zu sehen und vor allem die nächtlichen Sequenzen auf einem Friedhof mit Voodoo-Baron Samedi sehen ganz prächtig aus. Die Untergrundbasis von Kananga bekommt leider nicht die gebührende Aufmerksamkeit, dafür darf sich das Auge an den zahlreichen Geheimtüren in den schmierigen Nachtclubs von Harlem erfreuen.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Neben Roger Moore gibt Yaphet Kotto dann einen relativ blassen Antagonisten. Wie erwähnt kann er nicht nur nicht mit den legendären Bösewichten der Reihe mithalten, es fehlt ihm auch schlicht an Hinter- und Beweggründen. So ist es einzig die schmissige Gangster-Attitüde, mit der Kotto die Rolle darbringt, die ihn den Kopf knapp über Wasser halten lässt. Die junge Britin Jane Seymour gibt hier im Alter von 20 Jahren ein ordentliches Bondgirl Solitaire ab, welches durch ein Ereignis beinahe übermäßig selbstreferenzielle Qualitäten erhält: wenn Solitaire durch den per Trick herbeigeführten Beischlaf mit Bond ihre Fähigkeiten einbüßt, dann charakterisiert das sowohl die Hauptfigur der Reihe als auch dessen Umgang mit Frauen auf überdeutliche Art und Weise.

Agent: Wessen Begräbnis ist das?
Typ: Deins!

Clifton James gibt als rüpeliger Dorfbulle das platte Gegengewicht zur ansonsten vornehmlich schwarzen Darstellerschaft und mit Julius Harris gibt es einen tollen Antagonisten-Gehilfen zu sehen. Harris hatte bereits in der SHAFT-Fortsetzung LIEBESGRÜßE AUS PISTOLEN (1972) und im Blaxploitation-Reißer DER PATE VON HARLEM (1973) Renommee eingeheimst und überzeugt hier als grinsender Irrer mit Metallarm ohne Vorbehalte. Geoffrey Holder gibt einer verstörenden Baron Samedi und Gloria Hendry, ebenfalls in exponierter Rolle in DER PATE VON HARLEM zu sehen, überzeugt als kurzzeitige Bond-Begleitung Rosie. Mit Bernhard Lee als M und Lois Maxwell als Moneypenny gibt es dann auch ein paar altbekannte Gesichter, während Bonds CIA-Kollege Felix Leiter mit David Hedison bereits seinen fünften Darsteller erhält.
Die Zuschauer nahmen die Neuausrichtung indes gut an und sorgten für einen gehörigen Erfolg an den Kinokassen. Nicht inflationsbereinigt wurde LEBEN UND STERBEN LASSEN zum bislang erfolgreichsten JAMES BOND-Film, auch wenn die Resonanz seitens der zeitgenössischen Kritik eher verhalten war. Mit gehörigem zeitlichem Abstand lässt sich der Streifen aber schlicht als mit einem tollen Setting versehener Neubeginn einordnen, der die humorigen Entwicklungen des Vorgängers DIAMANTENFIEBER aufgreift und mit einem neuen, eigenständigen Hauptdarsteller und neuer Ausrichtung die nächsten Jahre vorherbestimmen sollte.

Kananga (Yaphet Kotto) und Tee Hee (Julius Harris)

Baron Samedi (Geoffrey Holder)

Roger Moores Debut zeigt von der ersten Minute an, wohin die Reise in den nächsten Jahren gehen wird. Inhaltlich bleibt dabei zwar vieles auf der Strecke, dafür gibt es aber ein tolles Setting und angenehm unkomplizierte Agenten-Unterhaltung.

S+H+E – SUPER HARTER ENGEL

S+H+E – Super Harter Engel
S+H+E: Security Hazards Expert | Deutschland/USA | 1980
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Lavinia Kean (Cornelia Sharpe) ist die beste Geheimagentin weit und breit und wird von ihrem Vorgesetzten Enzo (Fabio Testi) deshalb auf einen besonders kniffeligen Fall angesetzt: Sie soll sich mit dem angeblichen Weinhersteller Cesare Magnasco (Omar Sharif) bekannt machen, da der mit seinem Kumpanen Owen Hooper (Robert Lansing) einen ungeheuerlichen Plan verfolgt: die beiden wollen mit einem von der Wissenschaftlerin Dr. Elsa Biebling (Anita Ekberg) hergestellten Enzym alles Erdöl der Welt vernichten!

Lavinia Kean (Cornelia Sharpe) und Enzo (Fabio Testi)

Cesare Magnasco (Omar Sharif) und Owen Hooper (Robert Lansing)

Der US-amerikanische Drehbuchautor Richard Maibaum war zwar seit den 30er Jahren im Filmgeschäft tätig, doch zu Weltruhm sollte er erst gelangen, als er ab 1962 die Drehbücher zu den JAMES BOND-Streifen schrieb. Ab diesem Zeitpunkt widmete sich Maibaum fast ausschließlich dem britischen Agentenass und nahm nur noch sehr vereinzelt andere Engagements an. Einer dieser wenigen Ausreißer war das Skript zu S+H+E – SUPER HARTER ENGEL. Umgesetzt werden sollte das Ganze dann von Regisseur Robert Michael Lewis, der sich seit den 70er Jahren als Regisseur verschiedener US-TV-Serien betätigte und der 1980 dann diesen späten Versuch, auf der von 007 knapp 20 Jahre zuvor losgetretenen Agentenfilmwelle mitzureiten, startete.
Auffälligste Änderung gegenüber der Vorlage ist sicherlich der Umstand, dass man eine Frau zur Hauptrolle macht. Frau Lavinia Kean wird dabei ganz klassisch per Pre-Title-Sequence eingeführt und zeigt hier schon, dass sie ebenfalls eine mit allen Wassern gewaschene Geheimagentin ist. Dummerweise wird sie schon wenige Szenen später Opfer der ersten platt-sexistischen Gags, was dann darin gipfelt, dass sie, um den Ausführungen des wieder mal betörend schönen Fabio Testi folgen zu können, unbedingt ihr Strickzeug in der Hand halten muss. Derlei Unfug folgt zwar noch einige Male, trotzdem schafft es der Film nicht völlig in dumme Gags ob des Geschlechts seiner Hauptfigur abzudriften.

Enzo: Ich würde die Einladung gerne annehmen, aber erstmal haben wir einiges zu besprechen.
Lavinia: Dann werd‘ ich mir mal mein Strickzeug schnappen – das hilft mir nämlich, mich zu konzentrieren.

Stattdessen konzentriert sich das Werk auf seine erstaunlich flott dargebotene Story, die zwar immer wieder geradezu riesige Logiklöcher offenbart, dank Lewis‘ unkomplizierter, teils sogar einfallsreicher Inszenierung aber kaum Längen aufkommen lässt. Klar als Genre-Parodie angelegt, spult der Film dann beinahe stoisch die bekannten Motive des Agentenfilms ab: Geheimverstecke, Gadgets, Kämpfe, Intrigen, seichte Erotik und um die Weltherrschaft ringende Antagonisten. Nichts wirklich überraschendes, aber doch eine launige Abfolge bekannter Elemente.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Leider nimmt Hauptdarstellerin Cornelia Sharpe den parodischen Anteil ihrer Rolle gar zu ernst und driftet demzufolge häufig in Overacting und Klamauk ab. Die Darstellerin, deren Sternstunde als Nebenrolle in Sidney Lumets SERPICO (1973) schlug, schafft es so zu keinem Zeitpunkt, den Charme und die Coolness ihrer zahlreichen männlichen Pendants zu erreichen und fällt dementsprechend leider schwach aus. Ganz im Gegenteil zu den schauspielerischen Schwergewichten Omar Sharif und Robert Lansing, die hier als Gegenspieler-Duo durchaus zu überzeugen vermögen. Sie geben ihre überzeichneten Rollen mit gekonnter Leichtigkeit und spielen selbst die alberneren Szenen gekonnt runter. Die aus diversen Genre-Streifen bekannte Schwedin Anita Ekberg und der Italo-Star Fabio Testi geben dem Cast auch in den Nebenrollen Profil und letztlich kann die bunte Mischung aus Mimen so überwiegend überzeugen.

Cesare: Wie Sie wissen, benötigt vor allem Rotwein Jahre, um zur vollen Reife zu gelangen.
Lavinia: Genauso wie Männer.

Gleiches gilt für die Kulissen und Sets des in italienischen Gegenden und deutschen Studios gedrehten Films. Nette Landschaft wechselt sich mit ordentlichen Innenräumen inklusive blickender Geheimräume und -laboratorien ab. Dazu gibt es einiges an schön zu betrachtenden, wenn auch wenig innovativen Gadgets zu sehen. Herausragend hier sicherlich die skurrile goldene Fliege, die ferngesteuert ahnungslose Opfer betäubt. Von Kameramann Jules Brenner, der kurz zuvor Tobe Hoopers BRENNEN MUSS SALEM (1987) und einige Jahre später Dan O’Bannons VERDAMMT, DIE ZOMBIES KOMMEN (1985) fotografierte, unkompliziert angefangen und von Komponist Michael Kamen, der auch LETHAL WEAPON – ZWEI STAHLHARTE PROFIS (1987) und STIRB LANGSAM (1988) mit Klängen versorgen sollte, mit einem einfallsreichen Soundtrack versehen, der klassische Italo-Klänge mit US-Schnulzen mischt, kann man dem Streifen darüber hinaus auch formal kaum etwas vorwerfen.
Da die laue Story schließlich zu einem sehr vorhersehbaren Ende kommt, schafft es der Film über die gesamte Laufzeit zwar kaum, große Spannung zu erzeugen, aber allein die unkomplizierte – wenn auch oftmals sinnfreie – Mixtur bekannter Genre-Elemente mit einigen netten Einfällen sorgt für gute Unterhaltung. Cornelia Sharpe hat daran leider wenig Anteil, hier wäre sicherlich deutlich mehr drin gewesen. Trotz bietet der Streifen für Freunde von Agentenfilmen und Komödien solide Unterhaltung und einige Lacher.

Dr. Else Biebling (Anita Ekberg)

Die Geheimbasis

Relativ spät entstandene Agentenfilm-Parodie, deren Hauptkonzept, eine Dame zur Heldin zu machen, zwar nur bedingt aufgeht, die dafür aber mit einer gekonnten und unkomplizierten Darbietung verschiedener Genre-Versatzstücke durchaus für launige Unterhaltung sorgt. Die überwiegend treffliche Besetzung macht die inhaltlichen Schwächen meistens wett und so kann man mit dem Filmchen eigentlich nichts falsch machen.