DIE ENGEL VON ST. PAULI

Die Engel von St. Pauli
Die Engel von St. Pauli | Deutschland | 1969
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Zum romantischsten St. Pauli-Seemannsgarn gehört sicherlich die immer wieder gerne angeführte Aufrichtigkeit unter den Konkurrenten im Milieu. Irgendwann in den 80er Jahren sei diese zwar im Zuge von Drogengeschäften und zunehmenden Waffeneinsatz abhandengekommen, aber bis dahin hielten die Ehrenmänner auf dem Kiez natürlich immer dicht, wenn die Polente kam, um dumme Fragen zu stellen. So erzählt es uns auch Kiez-Fachmann, da ehemaliger Polizeireporter, Jürgen Roland in seinem Gangsterstreifen DIE ENGEL VON ST. PAULI. Exemplarisch dafür sei die Szene genannt, in der der dreigleisig fahrende Reporter Blinky (Gernot Endemann) den auf der Reeperbahn für Unruhe sorgenden Wiener Zuhälter Holleck (Herbert Fux) ausspioniert und dabei von dessen Konkurrenten, dem eleganten Hamburger Luden Jule Nickels (Horst Frank) ertappt wird. Anstatt den Reporter mit dem belastenden Material über seinen Widersacher zur Polizei hasten zu lassen, belehrt Jule ihn auf brutale Art und Weise über die Verschwiegenheitspflicht im Milieu.

Trotz dieses Abwehrschirms gegen die Staatsmacht, gibt es aber trotzdem Situation, in denen deren Eingreifen durchaus respektiert wird. Nachdem die Prostituierte Lisa (Irmgard Riessen) vom Drogenabhängigen Herbert Priel (Werner Pochath) ermordet wird, steht die Rivalität kurzzeitig hinten an, bis der Täter gefasst ist. Da bowlt man auch schon mal gemeinsam oder steckt sich gegenseitig Informationen zu. Dieses Szene-Wissen im Großen und unzählige Details im Kleinen machen den Film letztlich aus. Jürgen Roland gelingt es hier durchgehend, Milieustudie mit Gangsterfilm-Spannung zu verquicken. Dass das Eindringen von Wiener Zuhältern und Morde an Prostituierten damals tatsächlich gerade die Zeilen der Gazetten füllten, lässt erahnen, dass der Streifen seinerzeit durchaus authentisch gewirkt haben muss. Schöne Aufnahmen der bekannten Kiez-Ecken unterstreichen das.

Eine Besonderheit im Vergleich zu den übrigen Genre-Vertretern ist indes, dass sich Roland nur äußerst wenig auf plakative Tanz- und Bühnenszenen verlässt. Natürlich gibt es einige Szenen mit nackter Haut und schmissiger Musik (welche dem Film 1969 die standesgemäße FSK 18-Einstufung einbrachten), aber überwiegend bestimmt das matte Grau der Reeperbahn bei Tag das Geschehen. Raue, häufig diskriminierende Sprache und zahlreiche Hamburger Stilblüten bestimmen die Dialoge und vor allem um Jule herum scharrt sich eine Horde stereotyper St. Pauli-Charaktere. Kurzum: Roland macht seinem Ruf hier alle Ehre und liefert eine ansprechende Mixtur aus Authentizität und Gangsterfilm, die sich innerhalb des Genres sicherlich im oberen Drittel bewegt.

FLUCHTWEG ST. PAULI – GROßALARM FÜR DIE DAVIDSWACHE

Fluchtweg St. Pauli – Großalarm für die Davidswache
Fluchtweg St. Pauli – Großalarm für die Davidswache | Deutschland | 1971
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Während der brave Taxifahrer Heinz Jensen (Heinz Reincke) betrunkene Prostituierte brav durch die Nächte von St. Pauli kutschiert, überfällt sein Bruder Willy (Horst Frank) Banken und bricht aus dem Knast aus. Das Zusammentreffen der beiden läuft dementsprechend undiplomatisch ab, auch weil Heinz mittlerweile mit Willys Frau Vera (Christiane Krüger) zusammenlebt. Und dass Kommissar Knudsen (Klaus Schwarzkopf) Willy bereits dicht auf den Fersen ist, macht die Situation auch nicht leichter.

Willy Jensen (Horst Frank)

Heinz Jensen (Heinz Reincke)

Der Österreicher Rolf Olsen hatte mit WENN ES NACHT WIRD AUF DER REEPERBAHN (1967) den Reigen der St. Pauli-Filme ausgelöst, der für die nächsten sieben oder acht Jahre eines der Epizentren der bundesdeutschen Exploitationkunst darstellen sollte. Olsen selbst lieferte dabei die meisten der ähnlichen gelagerten Werke ab, bevor er sich mit BLUTIGER FREITAG (1972) in besonderer Weise um das deutsche Kino verdient machte. Für einen etwas ungewöhnlicheren Beitrag zu diesem Genre sorgte 1971 Wolfgang Staudte, der sicherlich zu den renommiertesten deutschen Regisseuren der Nachkriegszeit zu zählen ist. Dementsprechend ist das Attribut ungewöhnlich hier auch im positivsten Sinne aufzufassen.

Typ: Herr Geheimrat, kommen Sie doch: Damenwahl auf der Herrentoilette!

Das Drehbuch aus der Feder von Fred Denger, der auch an Géza von Radványis ONKEL TOMS HÜTTE (1965) oder Harald Reinls DER UNHEIMLICHE MÖNCH (1965) beteiligt war, und George Hurdalek konzentriert sich nämlich vor allem auf seine beiden Hauptfiguren und den deutlichen Gegensatz, in welchem sich diese gegenüberstehen. Auf der einen Seite gibt es mit dem deutschen Genre-Profi Horst Frank den prototypischen Milieu-Angehörigen Willy, der sich bei beinahe allem, was er tut, außerhalb des Gesetzes bewegt, und auf der anderen Seite den gebürtigen Kieler Heinz Reincke, der als Heinz ein schicksalsergebenes, dem Gesetz treues Leben führt. Die Gemeinsamkeit der beiden: sie leben auf St. Pauli und haben die gleichen Eltern. Die Gegensätze der beiden: alles andere. Vom ersten Zusammentreffen an konkurrieren diese beiden Lebensentwürfe, wobei Willy aufgrund seiner Rücksichtslosigkeit stets der dominante Teil ist (und laut eigener Auskunft auch schon immer war).

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Staudte belässt es allerdings nicht dabei, diesen Kontrast einmal zu etablieren, vielmehr baut er seinen gesamten Film auf diesem Kampf der Brüder auf. Mehrfach erreicht Heinz kurz nach einer Schandtat Willy den Tatort mit besten Absichten, nur um dann von Kommissar Knudsen (in dessen Rolle Klaus Schwarzkopf schon mal Erfahrung für seine zahlreichen folgenden TATORT-Einsätze sammelte) aufgegriffen und bedrängt zu werden. Heinz leidet so sogar unter Willy, auch wenn der gar nicht anwesend ist. Gleichzeitig darf auch der eiskalte Willy Emotionen zeigen; und auch, wenn es nur die verlorene Kohle ist, die ihm die Tränen in die Augen zu treiben vermag, so ermöglicht das Horst Frank doch, sein Können auch auf dieser Ebene zu präsentieren. Christiane Krügers Vera steht als Willys Frau und Heinz‘ Geliebte geschickt positioniert zwischen den Figuren und verstärkt den Konflikt zusätzlich.

Kommissar Knudsen: Jensen, Sie müssen aufhören zu saufen und wieder Ihr Taxi fahren!

Neben dieser zentralen und spannenden Figurenkonstellation bedient Staudte aber auch die Erwartungen der Zuschauer an einen Film, der die Begriffe St. Pauli und Davidswache im Namen trägt. Es gibt gleich in der Exposition nackte Tatsachen zu sehen, Bordsteinschwalben bevölkern nahezu jede Straßenszene und auch einige Tanzeinlagen gehören zu Repertoire des Films. Peter Schirmanns Score unterlegt das genretypisch swingend, nimmt sich gerade bei den zahlreichen Verfolgungsjagden und Versteckspielen aber angenehm zurück und unterstützt die geschickt aufgebaute Spannung mittels reduzierter, aber pointierter Bassläufe. An der Kamera saß der Italiener Giorgio Tonti, der sich weniger spekulativen Aufnahmen als vielmehr der engen Begleitung der beiden Protagonisten widmet – diese gibt er erst am Ende auf, wenn er das konsequente und durchdachte Finale mit einem schönen Kameraflug einfängt.

Vera Jensen (Christiane Krüger)

Ein Konzi

Neben einigen vordergründigen Unterhaltungsmotiven ist es vor allem die intensive und facettenreiche Auseinandersetzung der Brüder Willy und Heinz, die Wolfgang Staudtes Beitrag zum St. Pauli-Film zu einem äußerst sehenswerten macht.

DER FLÜSTERNDE TOD

Der flüsternde Tod
Albino | Deutschland/Großbritannien/Simbabwe/Südafrika | 1976
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Im Rhodesien der 70er Jahre sorgt eine Befreiungsarmee für Aufsehen, die sich im Kampf gegen die europäischen Kolonialisten immer wieder höchst grausamer Methoden bedient. Eines Tages wird dabei Sally (Sybil Danning), die Verlobte des gerade entlassenen britischen Soldaten Terrick (James Faulkner), vom Anführer der Rebellen (Horst Frank) vergewaltigt und ermordet. Terrick sinnt auf Rache, während ihn sein Vorgesetzter Bill (Christopher Lee) davon abzuhalten versucht, um den fragilen Frieden vor Ort nicht zusätzlich zu gefährden.

Sally (Sybil Danning) und Terrick (James Faulkner)

Bill (Christopher Lee)

In den 70er Jahren begehrten im Süden Afrikas sowohl in Südafrika als auch in Rhodesien, dem heutigen Simbabwe, diverse Gruppierungen gegen die Apartheid und die sonstigen Formen der Repression durch die Kolonialherren auf. Das sorgte auf der restlichen Welt für zaghafte Solidarität und reichlich Gleichgültigkeit, war vielen das Eisen doch schlichtweg zu heiß. Dass dann ausgerechnet ein deutscher Theaterregisseur aus Oldenburg, mit Namen Jürgen Goslar, sich dieser Thematik annahm und daraus einen Spielfilm von internationalen Format und mit ebensolcher Besetzung machte, darf inmitten einer Zeit, in der das deutsche Kino sich in einer Flut aus Schmuddel-Filmchen und seichter Unterhaltung verlor, getrost als Sensation gewertet werden.
Die Geschichte basiert dabei auf einem Roman des britisch-rhodesischen Autors Daniel Carney, dessen bekanntesten Werk The Wild Geese 1978 Erwin C. Dietrichs Söldner-Vorreiter DIE WILDGÄNSE KOMMEN als Grundlage dienen sollte. The Whispering Death wurde dann vom Drehbuchautor Scott Finch umgesetzt, der dabei die Figur Terrick in den Mittelpunkt rückte. Dass das Rache-Motiv somit zum maßgeblichen wird, heißt allerdings keinesfalls, dass sich Jürgen Goslar (und somit der Film) eines Kommentars zur damaligen Situation enthält; er tut es nur nicht so plakativ und vordergründig, wie man es in Anbetracht der einzelnen Zutaten eventuell erwarten könnte.

Terrick: Es liegt was in der Luft.
Bill: Polizisten sollen Tatsachen rausfinden und nicht in der Luft rumschnüffeln.

Wohlwissend, dass es ihm in einem Spielfilm ohnehin nicht gelänge, zur damaligen Situation im Süden Afrikas adäquat Stellung zu beziehen, macht Goslar die ethnischen Konflikte also zum Rahmen seiner Handlung. Er stellt sich dabei weder auf sie Seite der Einheimischen, noch auf die der Kolonialisten, sondern versucht, den Konflikt in dem sich beide Parteien befinden als Außenstehender zu betrachten. Dabei kommt ein Film heraus, der zwar an manchen Stellen zu einer etwas flachen Darstellung der Situation und ihrer Beteiligten tendiert, sich aber jedweder tendenziöser Kommentare enthält. Dass die Farbigen dabei lediglich die Rolle von Dienern oder Rebellen bekleiden ist dabei kaum als rassistische Haltung zu lesen, agieren sie doch in ihren Rollen jederzeit nachvollziehbar und facettenreich.

US-amerikanisches Filmplakat

US-amerikanisches Filmplaka

Kerngeschäft des Films bleibt aber die Jagd, die der durch den Tod seiner Verlobten erschütterte Terrick in den Weiten Simbabwes veranstaltet. Von der ansonsten eher für simpel-unterhaltsame Stoffe bekannten Eichberg-Film sowie der Lord Film Produktion nach Simbabwe und Südafrika geschickt, inszeniert Goslar eine unfassbar eindrückliche Hatz durch die Savannen und Steppen der Region. Dabei nutzt der die wundervolle Landschaft wohldosiert und tendiert nie dazu, diese als reinen Selbstzweck abzufilmen. Stattdessen wird die Weite zu einer schönen Parabel für Terricks Einsamkeit. Und auch die Zerrissenheit in der Beziehung zwischen Einheimischen und Kolonialisten oder zwischen Terrick und seinem befreundeten Diener Katchemu spiegelt sich hier wider. Wenn dann noch ein kleiner Funken (entzündet von Terrick, angefacht durch den Helikopter des Militärs) für einen riesigen Steppenbrand sorgt, ist der Reigen an Symbolen komplett und der Interpretation jeder Spielraum geboten.

Rebell: Hab Mitleid!
Terrick: Als ihr meine Farm niederbrandet und meine Frau umbrachtet hab ich alles verloren … vor allem Mitleid!

Goslar tendiert dabei nur selten dazu, in exploitative Bezirke abzudriften. Zwar ist der Albino-Antagonist, dessen Vergewaltigung oder so manch vordringlicher Schnitt oder Dialog durchaus dazu befähigt, auch derartige Interessen zu bedienen, aber überwiegend zieht es der Film doch vor, sich ernst und düster zu geben. Das sorgt dann für zahlreiche nihilistische Momente, die später in einem Delirium Terricks gipfeln, bevor dessen Tod das niederschmetternde Ende besiegelt. Dass im Epilog dann Terricks Schwiegervater (und Altkolonialherr) Johannes, von Trevor Howard gewohnt toll gespielt, das Schild, welches seinen Traum verortet, mit dem Kommentar, selbiger sei nun beendet, abhängt, darf ebenso als hoffnungsloser Schlussstrich, wie als kitschige Übertreibung gelesen werden.

Britisches Plakatmotiv

Während der erfahrene deutsche Kameramann Wolfgang Treu dann für wundervolle Aufnahmen (und ein schmissiges Italowestern-Finale) sorgt und Erich Ferstl dem Film einen einzigen, dafür aber perfekt melancholischen Ohrwurm-Track verpasst, kann man vor der Besetzung nur staunend den Hut ziehen. Der Brite James Faulkner gibt hier eine seiner ersten großen Rollen und trifft die Trauer und Wut des Terrick perfekt auf den Kopf. Blind jagend und letztlich erfolglos (weil von vorneherein chancenlos) sterbend vereint er die ganze Ausweglosigkeit des Films in seiner Person. Seine Verlobte Sally wird von der österreichischen Genre-Ikone Sybil Danning gegeben. Obschon flott aus dem Film scheidend, verpasst ihm die Blondie doch einen leicht anrüchigen Charme, wenn sie wie immer eng und knapp bekleidet die ersten 20 Minuten an sich reißt.

Sally: Wie fühlt man sich denn so als freier Mann?
Terrick: Frei … für ganze fünf Tage, dann kriege ich lebenslänglich vor dem Altar.

Christopher Lee überrascht als erstaunlich zurückgenommener Anführer der Polizeitruppe und die deutsche Schauspielgröße Erik Schumann darf als Captain Turnbull sowohl Law als auch Order walten lassen. Sam Williams als Katchemu und Sascha Hehn, der sich in den Jahren zuvor in diversen deutschen REPORT-Filmen einen Namen gemacht hatte, als Peter differenzieren den Cast weiter aus und zu guter Letzt wäre da noch Horst Frank, der hier eine seiner wohl skurrilsten Darbietungen abliefert. Er übernimmt den Part des Albino-Rebellen, der die mordende Truppe anführt und der zudem mit einem die Situation nicht vereinfachenden Bildungshintergrund ausgestattet ist. Er wird so zum Ausgestoßenen eines Systems, dass er von innen kennengelernt hat. Um Horst aber zum Albino-Rebellen zu machen, fuhren die Maskenbildner ihr ganzes Können auf. Eine blonde Afro-Perücke, riesige Zähne und ein unfassbares Makeup machen den deutschen Bösewicht-Darsteller zu einer höchst eindringlichen Figur, die nicht so schnell aus des Zuschauers Erinnerung verwinden wird.
Goslars Film wird so zu einem Zeugnis dessen, was das deutsche Kino einst zu leisten vermochte: hart, roh und nihilistisch läuft er den damaligen Sehgewohnheiten konsequent zuwider. Dass er darüber hinaus noch ein akut-politisches Thema aufgreift, macht ihn nur umso beeindruckender und dass er sich formal vor keinem Werk aus fernen Landen zu verstecken braucht ebenso. DER FLÜSTERNDE TOD ist ein beeindruckendes Stück deutscher Filmgeschichte, welches leider viel zu wenig Beachtung erfährt, da es oftmals als billiger Reißer abgetan wird. Eine Schande!

Der Flüsternde Tod (Horst Frank)

Der Brand

Grandios besetzt und großartig gefilmt, stellt Jürgen Goslars Rache-Drama ein herausragendes Werk des deutschen Kinos der 70er Jahre dar. Roh, finster und nihilistisch aber nie tendenziös oder allzu vordergründig packt der Streifen seinen Zuschauer und lässt ihn auch nach dem Abspann nur schwerlich wieder los.

WEIßE FRACHT FÜR HONGKONG

Weiße Fracht für Hongkong
Weiße Fracht für Hongkong | Deutschland/Frankreich/Italien | 1964
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Die Handelsagentin Claudia Laudon (Maria Perschy) gerät in Hongkong in Probleme, als sie feststellen muss, dass man ihr Heroin in ihre Handelsgüter geschmuggelt hat. Da trifft es sich gut, dass ihr die beiden Piloten Ted Barnekow (Dietmar Schönherr) und Larry McLean (Brad Harris), die durch ihr Engagement bei dem zwielichtigen Händler Robert Perkins (Horst Frank) ungeahnt nah an der Geschichte dran sind, beistehen.

Ted Barnekow (Dietmar Schönherr) und Claudia Laudon (Maria Perschy)

Robert Perkins (Horst Frank)

1962 war für Wolf C. Hartwigs Rapid Film ein gutes Jahr. Mit dem von Jürgen Roland inszenierten HEIßER HAFEN HONGKONG etablierte man nämlich ein neues Format in der bundesdeutschen Kinolandschaft: ein exotischer Schauplatz diente dabei als Hintergrund für allerlei unterhaltsame Versatzstücke aus den Genres Komödie, Krimi oder Abenteuer. Die Mixtur kam auf dem Markt dann auch entsprechend gut an und sorgte somit dafür, dass in den nächsten Jahren unzählige ähnlich gelagerte Werke entstehen sollten. HEIßER HAFEN HONGKONG kommt diesbezüglich zwar eine Vorreiterrolle zu, doch war der Film bezüglich seines Eskapismus noch sehr zurückhaltend. Allein der Umstand, dass dort ein deutscher Journalist den Fernen Osten mitsamt seiner Eigenheiten für den deutschen Kinozuschauer erschließt, zeigt, dass man sich dem Thema Hongkong noch mit einer gehörigen Portion Ehrfurcht und Distanz annäherte.
Zwei Jahre später sollte Hartwig dann in die britische Kronkolonie zurückkehren und dieses Mal mit einer gänzlich anderen Prämisse. Dazu waren zunächst auch wieder Roland als Regisseur sowie Hansjörg Felmy und Senta Berger in der Hauptrollen eingeplant. Doch diverse Querelen bezüglich der Finanzierung des Projekts (es dauerte einige Zeit bis Hartwig, der ein derartiges Projekt weiterhin nicht alleine stemmen wollte, die französischen und italienischen Geldgeber ins Boot geholt hatte) sorgten dafür, dass sowohl Regisseur als auch Mimen sich anderen Aufgaben widmeten. Einzig der Drehbuchautor Werner P. Zibaso blieb der Produktion treu, was sich im Nachhinein als großer Glücksgriff herausstellen sollte.

Perkins: Vielleicht sollte ich mal eine kleine Pause machen.
Nancy: Und wie wird diese kleine Pause diesmal heißen?

Denn Zibaso war letztlich derjenige, der die Zeichen der Zeit erkannte und dem Film ein Drehbuch schrieb, welches einen deutlich weltmännischeren Ton anschlägt als noch zwei Jahre zuvor. Plötzlich verfolgt der Zuschauer nicht mehr den knauserigen deutschen Journalisten, sondern zwei draufgängerische Piloten, die auf der ganzen Welt zuhause sind. Es werden Menschen ausgepeitscht, Drogensüchtige betteln um etwas Stoff und die Kugeln sausen nur so durch die Gegend; und fordern entsprechend viele Opfer. Alles in allem verleiht das dem Film einen deutlich raueren aber auch trefflicheren Ton, bietet diese Ausrichtung doch zahlreiche Möglichkeiten für kurzweilige Action und Spannung.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Für die Regie zeichnet dabei der Österreicher Helmut Ashley verantwortlich, der zuvor mit der EDGAR WALLCE-Verfilmung DAS RÄTSEL DER ROTEN ORCHIDEE (1962) Erfahrung gesammelt hatte und der die späteren Jahre seiner Karriere vor allem in deutschen Krimi-Fernsehen verbringen sollte. Ashley gelingt es dabei, Zibasos Intention mittels der Inszenierung zu unterstützen, und so enthält der Film tatsächlich einige Szenen, die in ihrer Explizitheit gerade prophetisch wirken; ein derart offener Umgang mit Drogen und Gewalt sollte eigentlich erst ein paar Jahre später Einzug in das Kino halten. Aber auch abseits derart expliziter Darbietungen sorgt Ashley mit Schwung und Elan für ordentlich Kurzweil.

Larry: Ich bin hier so überflüssig wie ein Fallschirm im U-Boot.

Trotz Hartwigs Hang, angestammte Schauspieler immer wieder zu engagieren, schafften es aus HEIßER HAFEN HONGKONG dann letztlich nur Brad Harris und Horst Frank in die Besetzung von WEIßE FRACHT FÜR HONGKONG; beide wiederum in ihren angestammten Rollen. Harris – der selbstredend auch wieder als Stuntkoordinator arbeitete – darf als Larry McLean Erneut vor allem durch seine Körperlichkeit glänzen und Frank war zu diesen Zeit ohnehin schon auf die Rolle des sinisteren Antagonisten festgelegt. Daneben gibt es mit der 25-jährigen Maria Perschy, die ein Jahr zuvor in DER HENKER VON LONDON (1963) eine ihrer ersten großen Rollen spielte, eine gelungene weibliche Besetzung, die gen Ende ebenfalls zum Ziel diverser Folterungen wird. Dietmar Schönherr als wortgewandter Weltenbummler Ted Barnekow und der Franzose Philippe Lemaire, der im gleichen Jahr auch im ebenfalls von Hartwig produzierten DIE DIAMANTENHÖLLE AM MEKONG (1964) zu sehen war, als gekonnt gegebener Heroinsüchtling Laurent runden die Besetzung ab.
Zusammen mit wieder einmal schönen Aufnahmen des malerischen Hongkong und einigen komödiantischen Anflügen stellt WEIßE FRACHT FÜR HONGKONG so eine treffliche Weiterentwicklung dessen dar, was Jürgen Roland für Wolf C. Hartwig 1962 mit HEIßER HAFEN HONGKONG begonnen hatte. Aus einer Portion Fernweh wird nun waschechter Eskapismus mit all seinen exploitativen Facetten, Grell, bunt und laut haut Ashley dem Zuschauer die volle Brandbreite an vordergründiger Unterhaltung um die Ohren und sorgt so für einen wirklich gelungen Hongkong-Reißer.

Larry McLean (Brad Harris)

Laurent (Philippe Lemaire) bei der Arbeit

Ashleys Inszenierung und Zibasos Skript führen das Konzept der hartwig’schen Fernost-Unterhaltung sinnvoll weiter und sorgen so dafür, dass WEIßE FRACHT FÜR HONGKONG zu einem durchweg gelungenen Vertreter seiner Zunft wird.

DJANGO – EIN SARG VOLL BLUT

Django – Ein Sarg voll Blut
Il Momento di uccidere | Deutschland/Italien | 1968
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Django (George Hilton) und sein Kumpel Bull (Walter Barnes) werden von Richter Warren (Rudolf Schündler) engagiert, um 500.000 US-Dollar wiederzufinden, die ein alter Konföderierter, der Großvater der gelähmten Regina (Loni von Friedl), vor den anrückenden Nordstaatlern versteckt hat. Doch auch der grausame Forrester (Carlo Alighiero) sucht mit seinem sadistischen Sohn Jason (Horst Frank) nach dem Schatz.

Django (George Hilton)

Forrester (Carlo Alighiero) und Jason (Horst Frank)

Giuliano Carnimeo lieferte nach einigen Jahren als Co-Regisseur und Laufbursche 1968 sein Regiedebut ab und suchte sich dazu logischerweise das in diesen Jahren mehr als nur florierende Genre des Italowestern aus. Dazu stattete ihn der Produzent Pier Ludovico Pavoni, der in den 50er und 60er Jahren vornehmlich als Kameramann tätig gewesen ist, mit dem nötigen Zaumzeug aus und die Herren Fabio Piccioni, Tito Carpi, Francesco Scardamaglia sowie Enzo G. Castallari steuerten ein Skript bei, welches eine recht stereotype Geschichte zwischen Gier und Rache zeichnet.

Django: Ich hab so das Gefühl, das hier auf dem Friedhof bald die Bodenpreise steigen werden.
Bull: Wenn du so ein Gefühl hast, dann ist das Ei ja schon gelegt.

George Hilton, der in Fulcis DJANGO – SEIN GESANGBUCH WAR DER COLT (1966) oder Lucidis EIN HALLELUJA FÜR DJANGO (1968) bereits sein Können bewiesen hatte, gibt dann den (freilich nur in der deutschen Synchronisation so genannten, im Original jedoch auf den Namen Lord hörenden) Hauptcharakter Django und leistet als solcher grundsätzlich ordentliche, wenn auch letztlich unspektakuläre Arbeit. Walter Barnes, seit Sollimas DER GEHETZTE DER SIERRA MADRE (1966) ebenfalls wüstenerprobt, darf als dümmlicher Sidekick Bull für einige Lacher (oder auch nicht) sorgen und das österreichische TV-Sternchen Loni von Friedl gibt eine ganz possierliche Regina ab (die zudem im Finale für staunende Blicke sorgt). Auf Seiten der Antagonisten darf Carlo Alighiero, der später noch in einigen bekannten Gialli zu sehen sein sollte, seinen einzigen Auftritt im Genre ableisten und Horst Frank bietet als dessen sadistischer Sohn Jason sein ganzes Können auf. Tatsächlich ist es so vor allem Frank, der mit seinem wieder einmal grandios finsteren Mienenspiel für Freude beim Zuschauer sorgt.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Gleiches gilt für Kameramann Stelvio Massi, der zwar keineswegs seine Miene einsetzt, dafür aber mittels seiner auffällig flexiblen und einfallsreichen Fotografie für Freude sorgt. Andauernd wird hinein- und hinausgezoomt, ständig fallen der Kamera schöne Winkel ein und ständig fährt sie auf Gleisen umher. Es gibt so immer was zu sehen und zusammen mit Carnimeos für ein Debut durchaus beachtlicher Inszenierung und vor allem Francesco De Masis unterhaltsamen Score, dessen Höhepunkt Ettore Lovecchios Walk by my Side darstellt, ergibt das einen formal durchaus ansprechenden Italowestern; der zudem nicht mit expliziten Brutalitäten geizt und somit auch auf dieser Ebene immer wieder Schauwerte zu generieren vermag.

Django: Scherze sind dazu da, gemacht zu werden!

Die Story hampelt hingegen eher belanglos vor sich hin und gipfelt schließlich in einem Finale, das zwischen Nonsens und Krimi umherschlingert. Bis dato verbringt der Streifen viel Zeit mit Kloppereien und vordergründiger Unterhaltung. All das wäre nun beileibe kein Grund zur Beanstandung, hätten sich die deutschen Verleiher nicht dazu entschieden, Rainer Brandt mit der Synchronisation dieses an sich düster-pessimistischen Italowestern zu beauftragen. Denn Brandt verpasst dem Streifen einen derart albernen Ausdruck, dass es eine wahre Pracht ist. Jede Atmosphäre wird im Nu durch die Blödeleien zerstört und obendrein sind zahlreiche Sprüche schon aus Konkurrenzwerken bekannt. Was anderorts (eventuell) funktioniert, sorgt in diesem Fall für einen völlig verdrehten Film, dessen Brutalitäten und Gemeinheiten zwischen dummen Sprüchen und Kalauern untergehen.
Carnimeo kann das dann egal sein, denn er konnte seine Karriere mit zahlreichen Italowestern(-Komödien) fortsetzten, doch deutschen Rezipienten wird der Filmgenuss bis heute durch die völlig unpassende Synchronisation vergällt. Neben zahlreichen durch ihre humorvolle Übersetzung durchaus aufgewerteten Streifen jener Tage ist Carnimeos Debut somit ein herausstechender Beweis dafür, dass eine Quatsch-Synchronisation wahrlich nicht immer für Heiterkeit sorgen muss.

Regina (Loni von Friedl, links)

Jason bei der Arbeit

Ein grundsätzlich ordentlicher Italowestern mit einer herausragenden Kameraarbeit erleidet durch Brandts Synchronisation Schiffbruch. Das dümmliche Gequatsche will so gar nicht zu dem düsteren Stil und den zahlreichen Brutalitäten passen und so stellt Carnimeos Regiedebut einen glasklaren Beweis dafür da, dass eine humorvolle Synchronisation die eigentliche Stimmung eines Films nur allzu torpediert.

HEIßER HAFEN HONGKONG

Heißer Hafen Hongkong
Heißer Hafen Hongkong | Deutschland/Italien | 1962
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Der Journalist Peter Holberg (Klausjürgen Wussow) gerät in Hongkong zufällig in den Besitz eines Mikrofilms mit brisanten Wirtschaftsinformationen. Da es schnell zu ersten Todesfällen im Zusammenhang mit dem Film kommt, wendet sich Holberg an seine Kollegin Joan Kent (Marianne Koch), um das weitere Vorgehen zu planen. Doch der finstere Marek (Horst Frank) und die verführerische Colette May Wong (Dominique Boschero) sind ihnen bereits auf den Fersen …

Peter Holberg (Klausjürgen Wussow) und Joan Kent (Marianne Koch)

Colette May Wong (Dominique Boschero) und Frank Marek (Horst Frank)

Seit Anfang der 50er Jahre versuchte sich der deutsche Produzent Wolf C. Hartwig mit seiner Rapid Film daran, vordergründig sensationelle Sujets möglichst kosteneffizient auszuschlachten. Nach ersten Erfolgen wie DIE NACKTE UND DER SATAN (1959) oder EIN TOTER HING IM NETZ (1959) sollte Hartig dann ab 1962 den Fernen Osten als Mittel zum Zweck erkennen. Denn während dem bundesdeutschen Publikum allerlei Spielarten des Kriminalfilms spätestens seit Einführung der EDGAR WALLACE-Reihe 1959 geläufig waren, waren die exotischen Städte und Landschaften des fernen Asien etwas, was die Menschen in die Kinos zu locken vermochte.

Peter: Und warum sind Sie nicht zur Polizei gegangen, wenn es kein Selbstmord war?
Ellington: Weil ich nicht ebensolch ein Selbstmörder werden wollte wie Dean Mallory …

Da ein solches Projekt allerdings auch ein großes finanzielles Risiko mit sich brachte, wandte sich Hartwig an die italienische Cinematografica Associati, die sich sowohl monetär als auch personell an dem Projekt beteiligte. Des Weiteren knüpfte der findige deutsche Produzent auch in Hongkong Kontakte zur örtlichen Filmindustrie, welche zu jener Zeit ebenfalls in der Blüte stand und die Dreharbeiten so maßgeblich mitermöglichte. Die so geschaffenen Strukturen sollten dann in den folgenden Jahren sowohl Hartwig selbst, aber auch zahlreichen anderen deutschen und europäischen Filmemachern zu Gute kommen.

Französisches Filmplakat

Italienisches Filmplakat

Als Regisseur konnte dann der recht angesehene Jürgen Roland gewonnen werden, der mit seiner seit 1958 höchst erfolgreichen TV-Serie STAHLNETZ sowie den EDGAR WALLACE-Beiträgen DER ROTE KREIS (1960) und DER GRÜNE BOGENSCHÜTZE (1961) bereits einige Erfolge vorweisen konnte. Und tatsächlich trifft Roland dann mit seiner kühlen Art der Inszenierung voll ins Schwarze und schafft es so, klassisches deutsches Krimikino mit dem knallbunten Eskapismus der britischen Kronkolonie zu vermischen. Herauskommt dabei eine ebenso eigenständige wie unterhaltsame Mixtur aus Genreversatzstücken und auf Unterhaltung bedachtem Selbstzweck. Dass ein deutscher Tourist im Film das Panorama Hongkongs dann mit der Rheinterrasse vergleicht (welche er freilich – inklusive eines Bieres – der chinesischen Aussicht vorzieht) wirkt da geradezu wie eine äußerst reflexive Auseinandersetzung des Films mit seinem Rezipienten.
Auch in Sachen Darstellerschaft konnte Hartwig erstaunlich renommierte Mimen verpflichten und so darf der geneigte Zuschauer Marianne Koch zusehen, die zu jener Zeit eine bekannte Größe im deutschen Filmbetrieb war. Koch gibt dann eine erstaunlich selbstbewusste Journalistin, die – obwohl sie nach der Hälfte der Spielzeit natürlich dem Herren der Schöpfung verfällt – durchaus einige eigenständige Aktionen vorzuweisen hat. Regisseur Roland brachte dann Klausjürgen Wussow mit ans Set, mit dem er bereits bei den beiden oben erwähnten EDGAR WALLACE-Streifen zusammengearbeitet hatte. Wussow gibt dann den Prototypen des charmanten Fernost-Reisenden und kann als solcher überwiegend überzeugen.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Als Antagonisten gibt es mit Horst Frank einen Klassiker zu sehen, der hier auch mit seiner bekannt sinisteren Schauspielerei zu überzeugen weiß. Dominique Boschero und Brad Harris – beide durch das Mitwirken der Cinematografica Associati zu der Produktion gestoßen – vervollständigen den engeren Cast und machen ihre Sache ebenfalls überwiegend ordentlich. Harris, der durchgehend in einer Uniform mit kurzer Hose umherrennt, wirkte bei dieser Produktion übrigens auch als Stunt-Koordinator und 2nd-Unit-Director mit und schuf sich so ein zweites Standbein neben der Schauspielerei.

Marek: Die Menschen dieses Landes ziert die Tugend der Geduld. Ich bin Europäer, meine Geduld ist am Ende!

Auffällig ist am von Gerd Christoph und Giorgio Simonelli geschriebenen Drehbuch, das die an sich recht simple Handlung um Wirtschaftsspionage und -kriminalität hier sehr verschachtelt und dialogreich dargeboten wird. Gerade im Vergleich zu noch folgenden, ähnlich gelagerten Produktionen sorgt das für einige spürbare Längen im Mittelteil. Das bremst den Film letztlich zwar nicht entscheidend aus, zeigt aber deutlich, dass dieses Genre zwischen Abenteuer, Action, Krimi und Kolportage hier noch in der Entstehung begriffen war.
Letztlich funktioniert diese Mischung aber bereits durchweg überzeugend, da Roland meist die richtige Mixtur aus Action und Unterhaltung findet. Die farbenfrohen Aufnahmen Hongkongs geben einen trefflichen Rahmen ab, den Gert Wilden zudem noch mit einem schmissigen Score versieht. Diese unterhaltsame Mixtur lockte dann erwartungsgemäß eine beachtliche Zahl an Kinogängern in die Lichtspielhäuser und machte so den Weg frei für zahllose ähnlich gelagerte Werke. HEIßER HAFEN HONGKONG stellt dabei zwar sicherlich nicht den ausgereiftesten Vertreter seiner Zunft dar (was seiner Fähigkeit zu unterhalten jedoch kaum einen Abbruch tut), als Pionier dieses Genres kommt ihm aber trotzdem eine filmhistorisch exponierte Rolle zu.

Inspektor McLean (Brad Harris, rechts) in Aktion

Das Stadtbild Hongkongs

Der Startschuss der deutschen Fernost-Produktionen kann überwiegend gut unterhalten, auch wenn im Mittelteil einige Längen zu durchstehen sind. Die tollen Aufnahmen Hongkongs und eine beachtliche Besetzung machen diese Makel jedoch problemlos vergessen.

DAS GEHEIMNIS DER DREI DSCHUNKEN

Das Geheimnis der drei Dschunken
Das Geheimnis der drei Dschunken | Deutschland/Italien | 1965
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Der CIA-Agent Mike Scott (Stewart Granger) wird zusammen mit seiner Kollegin Carol Eden (Rosanna Schiaffino) nach Hongkong beordert, um dort einem geheimen Schmugglerring auf die Schliche zu kommen. Vor Ort erfährt er Unterstützung durch den ortskundigen Smoky (Harald Juhnke), doch schnell stellt sich die Mission als tödliches Unterfangen heraus.

Carol (Rosanna Schiaffino) und Scott (Stewart Granger)

Pierre (Sieghardt Rupp) und Blanche (Margit Saad)

1962 hatte der deutsche Produzent Wolf C. Hartwig mit dem von ihm produzierten HEIßER HAFEN HONGKONG einen wahren Boom in der bundesdeutschen Kinolandschaft ausgelöst. Seitdem waren es die exotischen Kulissen des Fernen Ostens, die die Kinogänger in die Säle strömen ließen. Also produzierte Hartwig mit seiner Rapid Film derlei Filmchen am Fließband und schuf sich zahlreiche gute Connections innerhalb des asiatischen Filmmarkts. Und da auch noch die JAMES BOND-Filme ab 1962 für Furore sorgten, erschien eine Verquickung der Genre Agenten- und Abenteuerfilm quasi unausweichlich.
Als Regisseur konnte Ernst Hofbauer gewonnen werden, dessen bis dato beachteste Tat der im gleichen Jahr veröffentlichte deutsche Western DIE SCHWARZEN ADLER VON SANTA FE (1965) war. Die Autoren Hannes-Karl Kubiak und Werner P. Zibaso schufen dann auf der Grundlage des Romans La rivière des trois jonques von Georges Godefroy ein simples Skript, welchen den Rahmen für diese völlig auf zügige und kostengünstige Umsetzung bedachte Produktion liefern sollte.

Scott: Ich habe Angst um Carol, hoffentlich passiert ihr nichts. Es müsste beim CIA verboten sein, Frauen zu beschäftigen.

Und so fällt das Drehbuch dann erwartungsgemäß recht blass und uneigenständig aus. Auch ohne ein Kenner der Genres zu sein, kommen einem die Geschehnisse schnell altbekannt vor, Innovation oder eigene Ideen sucht man vergebens. Die Hauptfigur Scott fällt über alle Maßen klischeebeladen aus und übertrifft bzgl. ihrer sexistischen Ausfälle sogar die gängigen Vorbilder aus dem Bereich Eurospy. Die Storyline ist ebenso vorhersehbar wie wendungsarm und trudelt so völlig belanglos dem Finale entgegen. Selbst innerhalb dieses wirklich nicht auf inhaltliche Finessen bedachten Genres, vermag das Skript nur einen der hinteren Plätze zu belegen.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

So werden dann bekannte Mimen wie Stewart Granger oder Paul Klinger geradezu verheizt, weil sie in ihren flachen Rollen trotz erkennbarer Mühe kaum etwas leisten können. Rosanna Schiaffino ist als weibliche Agentin natürlich über alle Maßen tollpatschig und dümmlich und dient so nur dazu, etwas falsch zu machen um die Sorge ihres männlichen Gefährten auf sich zu ziehen; was dieser dann auch unnachahmlich kommentiert.
Fast noch schlimmer trifft es die deutschen Größen Juhnke und Frank. Während der Harald immerhin noch ausreichend Screentime für seine Albernheiten zugestanden bekommt, wird Horst geradezu übergangen und dient nur als drittklassiger Grobian. Blanker Hohn, wenn man sich vor Augen führt, in welch strahlenden Produktionen Horst Frank zu jener Zeit ansonsten mitzuwirken pflegte.

Milot: Deine Kanone bekommt Arbeit.

Dass der Streifen trotz dieser eklatanten Mankos durchaus zu unterhalten vermag, liegt an genau dem Konzept, das wie erwähnt schon damals die Kinokassen klingeln ließ. Die wundervolle Exotik der Straßen Hongkong und der umliegenden Gegenden und Straßen zieht den Zuschauer in ihren Bann und lässt vor allem eskapistische Geister für 90 Minuten abtauchen. Die keineswegs überragenden, aber doch immer trefflichen Aufnahmen von Kameramann Werner M. Lenz sorgen dabei für Flair aller Orten und verbinden sich mit Riz Ortolanis Soundtrack zu einem schmissigen Fernost-Erlebnis.
Es liegt also letztlich gänzlich beim Betrachter, ob man den Streifen als zumindest optisch gelungenen Ausflug oder inhaltlich äußerst limitierten Zwangstrip erfährt. Objektiv muss man aber konstatieren, dass es sowohl bzgl. der Abenteueraspekte als auch der Agentenanteile deutlich bessere Werke gibt. Für Genrefreude ist der Streifen aber trotzdem einen Blick wert.

Pereira (Horst Frank)

Hongkong …

Der an sich ordentliche Cast kann einfach nichts gegen die maue Geschichte und die prototypische Charakterzeichnung ausrichten. Wer allerdings die Fernost-Reißer jener Tage mag, der findet hier einen zumindest optisch und akustisch ansprechenden Vertreter jener Zunft.

DIE NEUNSCHWÄNZIGE KATZE

Die neunschwänzige Katze
Il gatto a nove code | Deutschland/Frankreich/Italien | 1971
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Der Blinde Franco Arno (Karl Malden) und seine Nichte Lori (Cinzia De Carolis) schnappen Wortfetzen einer geheimnisvollen Unterhaltung, die sich im Nachhinein als Erpressung herausstellt. Gleichzeitig untersucht der Journalist Carlo Giordani (James Franciscus) einen Einbruch in einem Gen-Labor. Schnell laufen die Fäden zusammen und Arno und Giordani ermitteln zusammen in einem Fall, der auch ihr Leben zu bedrohen beginnt.

Carlo (James Franciscus) und Anna (Catherine Spaak)

Lori (Cinzia De Carolis) und Franco (Karl Malden)

Nachdem sein Regiedebut DAS GEHEIMNIS DER SCHWARZEN HANDSCHUHE (1970) alle Erwartungen übertraf und sowohl an den Kinokassen, als auch bei der Kritik ordentlich abräumte, ging Dario Argento sogleich daran, einen weiteren Spielfilm auf den Weg zu bringen. Und da der Erstling dem von Mario Bava begründeten Genre des Giallo zu ordentlicher Bekanntheit verholfen hatte, war es von vorne herein klar, dass auch Argentos zweites Werk in diese Richtung schlagen würde.
So wurde der Stab des Vorgängers dann auch weitestgehend beibehalten. Argentos Vater Salvatore übernahm wiederum die Produktion des Films (und bemühte dafür wiederum Geldgeber aus verschiedenen europäischen Ländern) und Dardano Sacchetti stand Argento wiederum als Drehbuchautor zur Seite. Wie schon beim Vorgänger ging ein Teil des ungefähr eine Millionen US-Dollar umfassenden Budgets übrigens wieder in die Namensrechte von Bryan Edgar Wallace, dem Sohnemann der britischen Literatur-Ikone, sodass man vor allem in Deutschland den prestigeträchtigen Namen zur Vermarktung nutzen konnte.

Anna: Hübsche Wohnung!
Carlo: Ja, Bausparkasse.

Die Handlung stellt sich dann wiederum als klassische Whodunit-Geschichte dar, die den Zuschauer lange im Dunkeln lässt. Zahlreiche Fährten und Sideplots bieten dabei Möglichkeiten zum Miträtseln, allerdings tut sich der Film ein wenig schwer bei dem Versuch, den wahren Täter lange im Dunkeln zu lassen. Denn um das zu gewährleisten verzichtet die Handlung schlicht darauf, den Täter in die Geschehnisse einzubinden. Das wirkt – vor allem nach dem originellen Twist im Vorgänger – etwas platt und dürfte genreerfahrenen Zuschauern die Lösung recht einfach machen. Trotzdem funktioniert die Story abseits dieses Mankos recht gut, auch wenn der Film im Finale etwas an Fahrt verliert.
Die Konstellation der Hauptfiguren ist ebenfalls gelungen, wenn auch ausbaufähig. Der Blinde Arno in Verbindung mit der unschuldigen Lori ergibt eine tolle Symbiose, die allerdings noch deutlicher hätte genutzt werden können. Allgemein fällt auf, dass die Beeinträchtigung Arnos nur in wenigen Szenen wirklich Gewicht hat und dann meist zu seinem Vorteil gereicht, da seine übrigen Sinne besser sind als die der anderen Protagonisten. Auf der anderen Seite gibt es mit dem Journalisten Giordani eine klassische Hauptfigur des Genres, einen unbeteiligten Nicht-Polizisten, der in einen Fall hineingezogen wird und der dann aufgrund einer persönlichen Bindung Ermittlungsarbeit betreibt.

Während der Dreharbeiten …

Während der Dreharbeiten …

Verkörpert von James Franciscus funktioniert diese Rolle sehr gut. Franciscus hatte als Hauptdarsteller in RÜCKKEHR ZUM PLANET DER AFFEN (1970) gerade einen seiner Karrieremeilensteine hingelegt und reiste nun für seine erste nicht-amerikanische Produktion nach Italien. Und obwohl ihm die etwas konfuse Arbeitsweise der Italiener nicht sonderlich gefiel, leistete er gute Arbeit und ist so letztlich das Aushängeschild des Films; auch wenn die deutsche Synchronisation ihn teilweise ein wenig zu lapidar plaudern lässt.
Ebenfalls aus den USA angereist war mit Karl Malden ein Oscar-prämierter Altstar des US-Kinos, der hier ebenfalls überzeugt, aber dessen Rolle wie erwähnt nicht ganz konsequent genutzt wird. Catherine Spaak, die mit VERLIEBT IN SCHARFE KURVEN (1962) und DIE UNGLAUBLICHEN ABENTEUER DES HOCHWOHLLÖBLICHEN RITTERS BRANCE LEONE (1966) bereits ihre komödiantische Seite gezeigt hatte, gibt dann die laszive Schönheit des Films, während Horst Frank als potentieller Killer ebenfalls zu überzeugen weiß.

Carlo: Weißt du wie viele Paare auf der Welt in jeder Sekunde zusammen ins Bett gehen?
Anna: Keine Ahnung.
Carlo: Durchschnittlich 780.
Anna: Hm …
Carlo: Statistisch erwiesen; und ich bin der Meinung, wir beide sollten diese Quote unbedingt verbessern!

Während der Film dann eine ordentlich, aber eben nicht herausragende Geschichte präsentiert, weiß Argentos Inszenierung wiederum zu überzeugen. Schon in der Eröffnung etabliert er die Form der Morde für den ganzen Film, indem er eine mehrminütige Subjektive des unbekannten Einbrechers nutzt. Im Vergleich zu seinen späteren Filmen gibt es dabei sehr wenige Farben zu sehen, stattdessen nutzt Argento hier harte Kontraste und zahlreiche Schatten, um Stimmung und Atmosphäre zu erzeugen. Auffällig sind auch die Schnitte, die mehrere Male hart zwischen zwei Szenen wechseln, bevor der Übergang vollzogen ist. Das mag zunächst verwirren, wir aber inhaltlich sinnvoll genutzt und funktioniert deshalb erstaunlich gut.

Deutsches Aushangfoto

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Das Argento ein Verfechter von der Visualisierung expliziter Gewalt ist macht dieser Streifen hingegen nicht deutlich. Denn auch wenn die einzelnen Morde deutlich zu sehen und realistisch eingefangen sind, gibt es doch kaum Brutalitäten. Lediglich der Mord am Bahngleis und das Finale vermögen zu beeindrucken, die übrigen Morde bleiben unerwartet sanft. Folglich ist DIE NEUNSCHWÄNZIGE KATZE einer der ganze wenigen Filme Argentos, die nirgends auf der Welt mit Zensur oder Schnittauflagen zu kämpfen hatten.
Auch in Sachen Klang behielt Argento übrigens die personelle Besetzung des Erstlings bei und so darf Ennio Morricone auch hier wieder sein Können beweisen. Das fällt dieses Mal ordentlich, wenn auch ein wenig konventioneller aus als zuvor. Während in DAS GEHEIMNIS DER SCHWARZEN HANDSCHUHE noch viel experimentiert wurde, so gibt es nun gewohnten Thriller-Sound, der die Spannung gekonnt unterstützt, aber nicht brilliert. Im diesen Klängen findet sich übrigens die in diesem Film immer mal wieder auftretende Annäherung an den US-amerikanischen Thriller, die für Argentos Arbeiten sonst eher ungewöhnlich ist, am deutlichsten.

Carlo: Was ist denn mit dir?
Anna: Ach nichts, ein bisschen nervös, nichts weiter. Weißt du, ich bin in letzter Zeit vollkommen durcheinander.
Carlo: Mach ich so’n tiefen Eindruck auf dich?

Letztlich bleibt die Bewertung des Films immer eine Frage der Perspektive. Für sich genommen stellt der Film sehr gute Giallo-Kost mit leichten Schwächen in Sachen Drehbuch und Figurenzeichnung dar. Spannung und Funktionalität sind aber jederzeit gewährleistet und bewahren den Film so eigentlich vor größeren Schmähungen. Innerhalb von Argentos Gesamtwerk – oder allein innerhalb der TIER-TRILOGIE – fällt der Film jedoch ein wenig ab. Weder erreicht er die ausgefeilte Klasse von VIER FLIEGEN AUF GRAUEM SAMT (1971) oder gar ROSSO – DIE FARBE DES TODES (1975), noch den rauen Charme des Debuts. Das macht ihn sicherlich noch lange nicht zu einem schlechten Film, aber auf einem derart hohen Niveau ist der Vergleich halt ein schwieriger. Aber solange ein Film in Relation zu den Perlen des Genres ein wenig abfällt, bleibt es immer noch ein sehr guter – und für Argentos Werdegang zweifelslos wichtiger – Film.

Farbe …

Blut …

Obwohl der Streifen in Sachen Drehbuch und Charakterzeichnung kleinere Schwächen aufweist, bleibt er doch ein sehr guter Giallo; der im Gesamtwerk Argentos leider ein wenig untergeht.

HASSE DEINEN NÄCHSTEN

Hasse deinen Nächsten
Odia il prossimo tuo | Italien | 1968
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Als der Bruder von Ken Dakota (Spiros Focas) von dem Banditen Gary Stevens (George Eastman) ermordet wird, schwört dieser Rache. Dabei stößt er auf ein Komplott, zu dem auch der Reiche Chris Malone (Horst Frank) gehört. Dieser plant nämlich den unrechtmäßigen Erwerb einer Goldmine, den er mit einem Banküberfall finanzieren möchte.

Ken Dakota (Spiros Focas)

Gary Stevens (George Eastman)

Nachdem er sich die ersten Sporen mit diversen Sandalenfilmen verdient hatte, wechselte Ferdinando Baldi 1966 das Genre und widmete sich dem aufkommenden Italowestern. Mit DJANGO, DER RÄCHER (1966) lieferte er auch sogleich eine sehr ordentliche Arbeit ab, die zeigte, dass Baldi sein Handwerk verstand. Zwei Jahre später sollte das hingegen ganz anders aussehen, als Baldi mit HASSE DEINEN NÄCHSTEN einen Genrebeitrag kredenzte, der trotz einer guten Besetzung selbst Grundlegendes falsch machte.
Größtes Manko ist dabei wohl die Hauptrolle in Form von Spiros Focas (der hier unter seinem Pseudonym Clyde Gamer auftritt). Der von ihm verkörperte Ken Dakota tritt zwar mit der Intention an, den Tod seines Bruders zu rächen, verhält sich allerdings bestenfalls wie ein netter Kommissar. Es gibt weder Wut noch Rachedurst zu sehen, Focas – der übrigens acht Jahre zuvor in ROCCO UND SEINE BRÜDER (1960) durchaus Talent bewiesen hat – ist wohl der blasseste Rächer, den die Leinwand je gesehen hat. Dementsprechend erhält er auch so wenig Screentime, dass er kaum nach als zentraler Protagonist zu bezeichnen ist.
Diese Rolle fällt dann eher George Eastman und Horst Frank zu, die immerhin die Seite der Bösewichte ordentlich ausstaffieren. So bietet George Eastman einen ständig kichernden Schurken, der sich stereotyp böse durch die Wüste kämpft. Nichts außergewöhnliches, aber allemal eine solide Leistung des späteren Splatter-Fachmanns. Die deutsche Schauspielergröße Frank Horst hingegen bietet ein sehr gelungenes Spiel und präsentiert einen zwischen Wahn und Boshaftigkeit schwankenden Antagonisten, der auch schon mal Sklavenkämpfe zur Unterhaltung veranstaltet. Und in einer Nebenrolle gibt es dann noch Nicoletta Machiavelli zu sehen, die bereits 1996 an der Seite von Burt Reynolds in AN SEINEN STIFELN KLEBTE BLUT durch die Prärie stromerte.

Richter: Ruhe, Ruhe im Gerichtssaal! So, bringen wir die Sache schnell hinter uns. Ich will in zehn Minuten wieder in der Kutsche sitzen, damit das klar ist!

Prärie gibt es hier übrigens weniger zu sehen, denn die gewählten Lokationen sind meistens Waldränder oder steinige Gegenden mit Graswuchs. Zusammen mit den sehr knalligen Farben und den arg klischeebeladenen Kostümen erweckt der Streifen so oftmals eher den Eindruck einen Heimatfilms, denn eines Italowesterns.
Viel schlimmer als das wiegt aber die unklare Linie, die Baldi dem Film verpasst. Die Hauptrolle ist zu gut, die Bösen sind ordentlich, aber auch nicht herausragend. Die Nebenrollen sind unwichtig und oftmals zu karikiert. Das wahre Graus erwartet den Zuschauer aber erst zum Filmende, wenn Ken Dakota den endlich gestellten Chris Malone nicht erschießt, sondern den verletzten Mann einfach auf den Wagen legt, um dann mit Frau und Neffe gemütlich gen Sonnenuntergang zu wandern. Ein unpassenderes Ende hat man wohl selten gesehen, sodass man mit einem ganz schlechten Gefühl in der Magengrube zurückbleibt.
Da helfen auch die durchaus netten Einfälle nicht mehr weiter, die der Film stellenweise aufbieten kann. George Eastman kopfüber in einer Schlangengrube oder eine auf umherfliegendes Dynamit schließende Hauptrolle sind dann nur noch nette Gimmicks, die die übergroßen Mankos dieses Streifen allerdings nicht mehr kaschieren können.

Gary Stevens in der Klemme …

Chris Malone (Horst Frank) in Bedrängnis …

Italowestern-Verschnitt, der vor allem an seiner flachen Hauptrolle und der genreuntypischen Inszenierung krank. Da helfen weder George Eastman, noch Horst Frank oder die paar netten Ideen, die ja durchaus vorhanden sind.

DIE DIAMANTENHÖLLE AM MEKONG

Die Diamantenhölle am Mekong
  La Sfida viene da Bangkok | Deutschland/Frankreich/Italien | 1964
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Der zwielichtige Richard Mac Leany (Philippe Lemaire) produziert im thailändischen Dschungel Diamanten unter menschenunwürdigen Bedingungen. Deshalb wir der Agent Jack McLean (Horst Frank) entsandt. Ebenfalls an den Diamanten interessiert ist der Reporter Werner Homfeld (Paul Hubschmid), der allerdings mit McLean auf keinen grünen Ast kommt. Doch als Mac Leany die hübsche Schlangenforscherin Vivian Lancester (Marianne Hold) entführt, müssen die beiden zusammenarbeiten.

Seit dem Start seiner Karriere in den 50er Jahren hatte sich Gianfranco Parolini eigentlich stets dem Sandalenfilm gewidmet, war dieser doch schlicht und einfach die einträchtigste Filmart jener Zeit; und somit auch das, was junge Regieassistenten damals zuerst lernten. Erst 1964 sollte sich Parolini dank eines Angebots des deutschen Produzenten Wolf C. Hartwig – der 1970 mit SCHULMÄDCHEN-REPORT – WAS ELTERN NICHT FÜR MÖGLICH HALTEN die Welle an deutschen Schmuddelproduktionen begründen sollte – von diesem Genre lösen und seine Karriere innerhalb des europäischen Abenteuer- und Agentenfilms fortsetzen. Den ersten Schritt stellte dabei DIE DIAMANTENHÖLLE AM MEKONG dar, für dessen Drehbuch neben Hartwig übrigens auch Johannes Kai verantwortlich zeichnete, der neben der Mitarbeit am Script zum deutschen Westernklassiker DIE FLUßPIRATEN VOM MISSISSIPPI (1963) auch die Serie MEISTER EDER UND SEIN PUMUCKL schuf.

Werner Homfeld: Der arme Kerl hätte drauf gehen können, und keiner hätte einen Finger krumm gemacht, ‘ne Vermeeren?
Vermeeren: Sie hätten ja knipsen können, Sie Sensationsknilch …

Das Buch verortet die Geschichte dann in Thailand, was einem Trend jener Zeit entspricht. Asien stellte einen fremden Kontinent voller Geheimnisse dar, der für Abenteuerfilme wie geschaffen war. Dementsprechend strotzt der Film dann nur so vor Klischees, was allerdings eher für Amüsement als für Empörung sorgt. Denn die Geschichte ist nicht mehr als ein lockerer Rahmen für die einzelnen (Action-)Szenen.

Viel relevanter ist da schon die Besetzung, die den Film maßgeblich trägt. In den Hauptrollen bieten Horst Frank und Paul Hubschmid beide ordentliche Leistungen, auch wenn Frank als kühler Agent einiges an Anlaufzeit braucht. Gar nicht kühl schauspielert hingegen die ebenfalls im deutschen Western erfahrene Dorothee Parker, deren Rolle zusammen mit der von Chris Howland für überdrehte Komik und Alberei zuständig ist. Als Bösewicht fungiert der herrlich dekadente Philippe Lemaire, der nur noch von Brad Harris überboten wird. Der hatte schon in Parolinis frühen Werken wie GOLIATH – DER KAMPF DER MAKABÄER (1962) oder DIE LETZTEN STUNDEN VON POMPEJI (1962) stets die Hauptrolle inne, musste sich hier allerdings mit einer etwas kleineren Rolle begnügen. Nichtsdestotrotz kann Harris – der übrigens auch schon hier als Stuntkoordinator tätig war – mit Charme und zünftiger Action unterhalten und so spielend seinem Profil gerecht werden. So stellt dieser facettenreiche Cast dann auch das Herzstück des Films dar.

Gloria Pickerstone: Ich habe von Männern bisher immer bekommen, was ich wollte. Ich biete Ihnen 10.000 Dollar und Sie dürfen sich prügeln so oft Sie wollen!

Denn ansonsten plätschert der Streifen doch etwas vor sich hin, während er das Standardrepertoire des 60er Jahre Abenteuerfilms runterspult. Dabei gibt es dann natürlich schöne Kulissen und charmant inszenierte Action zu sehen, aber die ganz großen Höhepunkte lassen sich leider nicht blicken. Hier hätte die Geschichte einfach etwas mehr Tiefe vertragen, um die gelungenen Aufnahmen mit mehr Inhalt zu füllen.
Trotzdem bietet der Streifen runde Unterhaltung, vor allem für Freunde von Abenteuern in Fernost, die mehr auf die Mimen als auf die Story achten. Die ordentliche Action rundet das Bild ab und hinterlässt den Zuschauer zumindest zufrieden.

Ordentlicher Abenteuerfilm, der vor allem mit seiner tollen und abwechslungsreichen Besetzung punkten kann, ansonsten aber doch eher Standardkost bietet. Kann man machen …